이난영 - Lee Nan-Young (Lee, Ran Young) / Yi Nan Young ; (-Oka Ranko-)



The first few tracks show the best of possibilities, in that Lee Nan-Young has the sort of qualities in her voice and singing that shows a certain emotion in her voice, with a distinctive sad sensitive quality. The first track is just acoustic picking, violin and voice only, which shows these qualities best. Most tracks are in Trot style with a minor old time jazz influence. The voice goes very high. A few track are in dialogue male/female voice, with some harmony singing too (18). Often we have the small combo of brass/reed and strings, here and there with Korean clarinet, fute or violin solos or accordion, wahwah trumpet with a small solo accent. There are a few special melodies and songs (14). An enjoyable release.


The second volume reveals that the repetition of Trot style has it’s consequences in that some of it’s music becomes too predictable, making more a style than really re-inventing the moment of inspiration, even when Lee Nan Young’s voice is good, her range becomes also more limited that way. New on this is the use of more Hawaiian guitar, and more influence from jazz, boogie and so on without exaggeration, but when it does a bit more it does give a welcome alternation expanding a style exercise, a tendency which still start to bore me after a while. It still is a bit a shame for all the qualities present here. Last few tracks shows some use of vibes too (with accordion/guitar/piano,..).


This one came from this 23-CD box:


유성기로 듣던 불멸의 명가수: 이난영 1 /

the once great immortals from the phonograph era : Lee Nan-Young vol.1

* 1 고적(孤寂) / Archaeological site (1933) (OKEH 1587)

2 사랑의 고개 / Head of Love (OKEH 1618)

* 3 오대강타령(五大江打鈴)/ Odaegang Taeryeong (OKEH 1681)

* 4 봄강 / Spring River (OKEH 1681)

* 5 어촌(漁村) 낙조(落照) / Fishing village (OKEH 1733)

* 6 목포(木浦)의 눈물 / Tears of Mokpo (1935) (OKEH 1795)

* 7 봄아가씨 / Girl of Springtime (OKEH 1795)

* 8 낙화(落花)의 눈물 / Tears of Falling Flowers (OKEH 1889)

9 남포(南浦)로 가는 배 / Ship to Nampo (OKEH 1901)

* 10 명랑(明郞)한 젊은 날 / A cheerful young day (OKEH 1906) -jazz tune cover-

11 이별(離別) 전야(前夜) / Goodbye Eve (OKEH 1928)

12 추억(追憶)의 등대(燈臺) / Lighthouse of Memories (OKEH 1943)

13 고향(故鄕)은 부른다 / Hometown Calls (OKEH 1963)

* 14 올팡갈팡 / Alpine Galpine (OKEH 1963)

15 문허진 황성(荒城) / Moon Hue Jin Hwangseong (OKEH 12039)

16 피 무든 편지(便紙) / Blood soaked Letters (OKEH 12039)

17 산호(珊瑚)빛 하소연 / Coral (OKEH 12113)

18 미소(微笑)의 코스 / Smile (OKEH 12148)

19 괄세를 마오 / Mao's Tariff (?) (OKEH 12155)

Tracks with * I consider essential listens or classics, or tracks not to miss to check out. They are of course also very suitable for western radioshow airplay.

유성기로 듣던 불멸의 명가수: 이난영 2 (STNCD-126) vol 4

the once great immortals from the phonograph era : Lee Nan-Young vol.2

* 1 목포(木浦)의 추억(追憶) / Memory of Mokpo (OKEH 12204)

2 돈 반(半) 정 반(半) / Half the money please (OKEH 12216)

3 달 업는 항로(航路) / Moonless Passage (OKEH 12237)

4 남행열차(南行列車) / Southern train (OKEH 12247)

* 5 바다의 꿈 / Dream of the sea (OKEH 12263) -jazz-

* 6 연락선(連絡船) 비가(悲歌) / Ferry Rain (OKEH 12273)

7 다방(茶房)의 푸른 꿈 / Blue dream of tea room (OKEH 12282) -jazz-

* 8 담배집 처녀(處女) / Tobacco House Maiden (OKEH 20004) -whistling-

9 사공(沙工)의 딸 / Daughter of Sagong (OKEH 20008)

10 우러라 문풍지(門風紙) / Munfengji Temple (OKEH 20016)

11 항구(港口)야 울지마라 / Harbour, don't you cry (OKEH 20025)

12 항구(港口)의 불근 소매 / Robust Retail in Ports (OKEH 20058)

13 가거라 똑딱선 / Go straight (OKEH K5011)

14 서창(西窓)의 밤눈물 / Night Cry of Seochang (OKEH K5021)

* 15 꿈꾸는 타관역(他關驛) / Dreaming Taegwan Station (OKEH K5026) -train whistle-

16 진달래 시첩(詩帖) / Rhododendron hinge (OKEH 31016)

17 날짜 없는 일기(日記) / Diary without a date (OKEH 31019)

18 할빈 다방(茶房) / Harbin Cafe (OKEH 31099)

19 목포(木浦)는 항구(港口)다 / Mokpo is a harbor (OKEH 31103)


유성기로 듣던 가요사 / Songs that I heard during the musical period from 1925~1945 [Disc 1]

* 18 고적(孤寂) / the left-behing (archeological site) (1932/33)


유성기로 듣던 가요사 / Songs that I heard during the musical period from 1925~1945 [Disc 2]

* 1 불사조(不死鳥) / Phoenix (1933)

* 11 봄마지 (봄맞이) / Spring Break (1934)



유성기로 듣던 가요사 / Songs that I heard during the musical period from 1925~1945 [Disc 3]

1 목포(木浦)의 눈물 / Mokpo Tears (1935)

2 어촌(漁村) 낙조(落照) / Fishing Village (1935)

12 갑판의 소야곡 / Soyagok Deck ?? (1936)


유성기로 듣던 가요사 / Songs that I heard during the musical period from 1925~1945 [Disc 7]


5 다방(茶房)의 푸른 꿈 / Blue dream of tea room

This warm soulful song clearly has an American blues feel to the singing, and has also rather jazz arrangements.


유성기로 듣던 가요사 / Songs that I heard during the musical period from 1925~1945 [Disc 8]

18 울어라 문풍지(門風紙) / Cry Wind, Cry (1940)

19 흘겨본 과거몽(過去夢) / Past dreams (1940)

유성기로 듣던 가요사 / Songs that I heard during the musical period from 1925~1945 [Disc 9]

9 진달래 시첩 / Rhododendron hinge (1941)


Oasis (CD) 이난영 - 오리지날 힛송 총결산집 1991.08.22

This compilation of old pop songs with trot and mambo influences sounds remarkably fresh and great to listen to. Recommended classic. There's no real mood overdoing it, the overall effect is still successful as an album after all these years.


1 목포의 눈물 / Mokpo tears

2 해조곡 / Algae

3 선창에 울러왔다 / Came to the dock

4 알아달라우요 / I know

5 임 전상서 / Im Sang-Seon

6 과거몽 / Past dreams

* 7 봄 아가씨 / Spring babes

* 8 봄맞이 / Spring

9 목포는 항구다 / Mokpo's port

10 불사조 / Phoenix

11 고향 / Hometown

* 12 해수욕장 풍경 / The beach scene(ry)

13 달없는 향로 / Moonless Censer

It's hard to say if any of these songs are or can or cannot be classics. I tried to pick out the tracks that catch most attention, to check out first.

Other tracks I have heard:

눈감은 포구 / Eyes are muzzle (1940,11)

해조곡 / Algae Song (1937)

일허버린 아버지 / Her Father (1939.8)

세월은 간다 / As Time goes by

흘러간 학창 / Flowing school window (1941.4)

흘러온 남매 / Siblings (1947)

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BIOGRAPHIES:

https://www.revolvy.com/page/Lee-Nan%252Dyoung?stype=videos&cmd=list&cr=1 :


Lee Nan-young (Korean: 이난영; June 6, 1916 – April 11, 1965) was a Korean singer and actress most famous for the 1935 hit trot song "Tears of Mokpo", which sold 50,000 copies.


Lee was born in Japanese Korea, in the port city of Mokpo, South Jeolla Province. Her name at birth was Lee Ok-soon (이옥순), but it was later changed to Lee Ok-rye (이옥례).Her father's name was Lee Nam-soon (이남순) and she had a brother, Lee Bong-ryong, who was a composer. She had a difficult childhood and did not graduate from school. She became an actress in 1930, and debuted as a singer under OK Records in 1932, with the stage name Lee Nan-young. She was also a member of Jeogori Sisters, considered to be Korea's first girl group. She was the original singer of 'Tears of Mokpo,' one of the hit-songs in the history of Korean popular songs.


She married Kim Hae-song, a singer, composer and a conductor, in 1937. The couple had seven children, including Sook-ja Kim and Ai-ja Kim of The Kim Sisters. During the Korean War, the family lost their home in the bombing, and further more Kim Hae-song was captured and killed by the North Korean army. To earn money, Lee and her children sang for the American troops. She later performed in Busan nightclubs with her oldest daughters, Young-ja and Sook-ja. She died in 1965 in Seoul, and is buried in Lee Nan-young Park in Samhakdo, Mokpo.[9]

References: Duffy, Michael (October 6, 2013). "Hallyu in the Sixties". The Korea Times. Retrieved April 20, 2016. Park Jeong-ho (February 5, 2016). "Origins of Korean pop". Korea JoongAng Daily. Retrieved April 20, 2016. Park Si-soo (October 31, 2013). "Roots of K-pop". The Korea Times. Retrieved April 19, 2016.

Choi Seong-hwan (March 30, 2006). "항구의 딸로 목포에서 태어나다". Oh My News (in Korean). Retrieved April 20, 2016. Teszar, David (September 21, 2011). "From Seoul to Las Vegas: story of the Kim Sisters". The Korea Times. Retrieved April 20, 2016. "Girl Groups in Korean Pop Music History". KBS World Radio. May 29, 2012. Retrieved April 20, 2016. Bahk Eun-ji (March 24, 2016). "History of K-pop girl bands (from 1930s to present)". The Korea Times. Retrieved April 19, 2016.

https://books.google.com.ua/... Lee Joo-hee (March 30, 2010). "Embracing pain, looking ahead in Mokpo". The Korea Herald. Retrieved April 20, 2016.​

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Lee Nan-Young Born June 6, 1916 ~ April 11, 1965


The story tells that she grew up in a difficult famiy situation and also did not succeed to graduate school. At age 15 she joined being an actress on stage from 1930 onwards. In 1932, while still with a theatre troupe she had started to sing and was given her stage name.


A break through came with the song “Tears of Mokpo” (Lee Nan Young & SP Orchestra), recorded in 1935 a song that still is considered a classic. Later in the 60s it was covered by Blue Bells with the duo Young Lee and Hoon Lee Moon. The song is about a woman on a cold Saturday suffering silently in pain. It was a suffering that people associated with a difficult to change situation during the Japanese occupation days.

From the 3000 films made across the country, the song “Tears of Mokpo” had been selected as the people’s favourite. It was released on Melody Orchestra records. The vocal technique used in it reminded people of sobbing and showed relation to the p’ansori style and rhythms of the province of Eseona. It also expresses the soul of the Han people’s resistance against Japanese occupation. One can count at least a 5 million copies of the song being printed since its debut, it also can be found on numerous CD’s. It also popular in Japan too where it literally should mean “Ranko Oka” 岡 蘭 子 but is in fact known as 李 蘭 影., Jeollanam-Do.


Other original songs one writes had jazz-full influences and a youthful atmosphere and several had been composed by her husband Kim Hae Song. Until 1943, she mostly worked as a cover singer. She recorded many more songs on the Okay records label.


Her husband (who appeared in two movies) died very young. With the outbreak of the war in 1950, she had a difficult life raising their children alone. From here the translations become a bit unclear and the stories differ. One source says she started drinking after that and finally died at age 49 from alcohol poisoning. Elsewhere it states she moved to the States in 1963 and died there of a heart attack.


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http://gayomuseum.egloos.com/6395398 :


“사공의 뱃노래 가물거리고/삼학도 파도 깊이 숨어드는데/부두의 새악씨 아롱 젖은 옷자락/이별의 눈물이냐 목포의 설움...”

-일제 하인 1935년에 발표된 문일석 작사, 손목인 작곡, 이난영 노래, '목포의 눈물' 1절 가사이다.

'목포의 눈물'은 일제 하 우리 민족의 '망향가'였고 해방 후에는 설움 받는 호남인들의 '시름가'였다. 그리고 민주투쟁의 연대에는 장렬히 산화한 열사들에 대한 남도인의 '진혼가'이기도 했다.

이 노래는 목포시민, 그리고 호남인들의 삶과 함께 했다.

이 노래는 마치 세발낙지처럼 입에 착 달라붙어 힘들고 슬플 때, 그리고 기쁘고 즐거울 때도 '목포의 눈물'은 어김없이 함께 했고 또 지금도 함께 하고 있다.

1934년 조선일보사는 일제의 갖은 탄압 속에 위협받던 우리 민족의 고유한 정서를 북돋우기 위한 문화사업의 하나로 당시 Okeh레코드사와 손잡고, 향토노래가사를 공모했고 여기서 목포의 무명시인 문일석(文一石, 본명 윤재희/1916~1942)의 작품 '목포의 노래'가 3천여 통의 응모작 중 영예의 1등으로 당선되었다.

애절한 별리의 한을 담은 이 '목포의 노래'를 Okeh레코드사 사장 이철은 '목포의 눈물'로 제목을 바꾸어 작곡가 손목인에게 작곡을 의뢰했고 당시 목포 출신의 19세 소녀가수, 이난영(1916~1965) 에게 부르도록 했다.

'목포의 눈물'은 우리 가요로서는 최초로 일본어로도 취입되어 일본에서도 히트했다.

이 노래로 가수 이난영은 목포를 상징하는 동시에 가요계의 '불멸의 여왕(女王)'으로 군림하게 된다.

'난영가요제' 그리고 '목포가요제'의 모티브가 된 가수 이난영은 1916년 6월 6일, 철공업을 하던 부친 이남순(李南順)과 모친 박소아 (朴小兒) 사이에서 목포부 양동 72번지에서 태어나 1965년 4월 11일 새벽 서울 회현동 자택에서 마흔 아홉 나이에 파란 많은 인생을 마감하였다.

필자는 몇 년 전 그의 주검을 처음 발견했던 이로부터 실로 충격적인 증언을 들었는데 그 자세한 언급은 이 글에서는 피하기로 한다.

‘난영(蘭影)’은 가수로 활동하기 시작하면서 지은 예명, 본명은 ‘옥순(玉順)’, 이후 ‘옥례(玉禮)’로 개명한다.

故 이난영 여사를 추모하기 위해 그녀의 사후 3년 뒤인 1968년부터 '난영가요제'가 호남매일신문사 주최로 열리게 되었고 또한 '목포의 눈물' 노래비가 유달산 중턱, 목포 시가지와 삼학도 그리고 다도해가 한 눈에 내려다보이는 곳에 세워져 있다.

1969년 6월 10일 목포악기점을 운영하던 박오주에 의해 세워진 이 노래비는 우리나라 최초로 대중가요 노래비 제1호로서 의미도 함께 지니고 있다. 앞면 ‘목포의 눈물’ 가사와 그 아래 ‘살아있는 보석은 눈물입니다. 남쪽하늘 아래 꿈과 사랑의 열매를 여기 심습니다. 이난영의 노래가 문일석 가사 손목인 작곡으로 여기 청호의 넋처럼 빛나고 있습니다.’라는 추모 글이 새겨져 있다.

그러나 이 노래비는 작곡자 누락, 가사 오류 등으로 크고작은 잡음을 불러일으키기도 했다.

호남매일신문사 주관으로 1968년부터 시작된 '난영가요제'는 한 때 중단되었다가 1991년부터 목포 MBC 주관으로 다시 전통가요의 맥을 잇기 위한 수레를 돌리기 시작했으며 또한 1989년부터는 KBS에서도 이난영의 맥을 잇는 '목포가요제'를 매년 개최, 현재까지 이어오고 있다.

현재 목포시에서는 '난영기념관' 건립도 추진 중이다. 故 이난영 여사를 추모하고 신인가수를 발굴하기 위해 23회 째를 맞게 되는 '난영가요제'와 16회 째를 맞고 있는 '목포가요제'는 각각 MBC와 KBS, 양대 방송사를 통해 전국에 중계되기 때문에 가수가 되기 위한 등용문으로서의 역할이 더욱 기대된다.

매년 150명~200명의 지망생이 각각 몰리는 이 대회에 입상하면 상장과 상금, 그리고 한국연예인협회에서 가수 인증서를 받게 된다. 대한민국이 인정한 정식 가수가 되는 것이다.

이 대회를 통해 가수 최유나, 이정옥, 아랑, 듀엣 오즈의 신은정, 이하린, 김상민, 홍성남, 송광호, 그리고 최근 화제의 가수 춘자, 국악가수 김산옥 등도 이 대회를 통해 배출되었다.

제2, 제3의 이난영을 꿈꾸는 가수들을 발굴하기 위한 대회로 난영가요제, 목포가요제는 계속 출전곡을 이난영의 곡으로만 규정하는 것은 그 가요제의 성격과 취지를 분명히 한다는 점에서 일단 수긍할 수 있다. 그러나 한편, 이난영이 발표한 노래만으로 레퍼토리를 제한함으로써 보다 다양한 재능을 가진 가수를 발굴하는데 한편 장애가 되지는 않는지, 한번쯤 검토해봐야 하지 않을까 생각된다.

사실 이난영이 발표한 노래들은 그렇게 다양한 장르를 가지고 있지는 않기 때문이다. 아울러 지난 해 목포가요제에선 남자 출연자의 경우 남진과 나훈아 곡으로만 참가곡을 제한한 것 또한 우려할만한 대회 규정으로 반드시 재검토해야할 사항이 아닌가 여겨진다.

조선중기 문인 윤선도, 남농 허건, 의제 허백련을 비롯, 우리나라의 대표적인 문인, 예술인, 대중가수 등 걸출한 예술인들이 다른 어떤 고장 못지않게 많이 배출해냈고 지금도 풋풋하고 넉넉한 인심이 살아 있는 목포, 나라 잃은 민족의 한을 노래한 '목포의 눈물'의 이 고장에서 전국적인 규모의 가요제 행사가 두 개씩이나 매년 함께 열리고 있다는 사실은 매우 고무적인 일이다.

글/박성서 (대중음악평론가, 저널리스트)


- Copyrights ⓒ 韓國歌謠作家協會報 2005. 3월

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Rough translation (with still several mistakes):


Being a servant under Japanese rule Il-seok wrote the lyrics for Tempo Tears in 1935, with Lee Nan-young singing. They were a product of being under Japanese rule, and therefore such poems were despised after the liberation. Never the less is was about the lives of Mokpo citizens and Honam people. It is like something is stuck inside, people are still happy being together. In 1934, the Chosun Ilbo joined the Okeh Record Company and invited a local song lyrics as one of the cultural projects to encourage the unique sentiment of our nation, a sentiment which was threatened by the suppression of Japanese imperialism, where Moon Il-seok (文一石, real name Yoon Jae-hee) / 1916 ~ 1942), with 'Song of Mokpo', won the honor of the 3,000 entries. Okeh Records CEO Lee Chul changed the title to 'The Tears of Mokpo', and asked the composer's wristwatcher to compose a song of Mokpo's sadness. The 19-year-old singer, Lee Nan-young (1916 ~ 1965) did the performance of it. Mokpo's Tears was the first Korean song ever to be taken in Japanese and was a hit in Japan.

With this song, singer Lee Nan-young symbolizes Mokpo and reigns as the immortal queen of the music industry.


Singer Lee Nan-young, who became the motive for the 'Nanyoung Song Festival' and 'Mokpo Song Festival', was born on June 6, 1916, in Namdong, Mokpo-bu, with father Lee Nam-soon and mother Park So-ah. At the age of forty years old, at the age of forty-nine on April 11, she ended her sad life.I've heard a shocking testimony from someone who first discovered her remains a few years ago, but I'll avoid that in this article.


'Nanyoung (蘭影)' was renamed 'Eungsun (玉順)', followed by 'Oksun (玉 禮)' and 'Orye (玉 禮)'.위해 To commemorate Ms. Lee Young-young, since 1968, three years after her death, 'Nanyoung Song Festival' was hosted by Honam Daily Newspaper, and the song 'Tear of Mokpo' was overlooked at the middle of Yudalsan Mountain, Mokpo City, Samhakdo, and the Tea Ceremony. It is built in a visible place.


Established by Park O-ju, who ran Mokpo Musical Instruments on June 10, 1969, this song ratio has the meaning as the first popular song song number 1 in Korea. On the front side is the tears of Mokpo and the living gems below are tears. The fruit of dreams and love is planted here under the southern sky. Lee's song is a song composed by Moon Il-suk's efforts and shines like the soul of Cheong-ho. However, the song cost caused loud and small noises due to missing composers and lyrics errors.


The 'Nanyoung Song Festival', which was started in 1968 under the leadership of Honam Daily Newspaper, was once discontinued, and since 1991, Mokpo MBC has begun to turn the wagon to connect the traditional song. The Mokpo Song Festival is held every year and continues to this day.


Mokpo City is also promoting the construction of the 'Nanyoung Memorial Hall'. 23 In order to commemorate Ms. Lee Young-young and discover new artists, the 23rd `` Nanyoung Song Festival '' and 16th `` Mokpo Song Festival '' are broadcasted nationwide through MBC, KBS, and both major broadcasters. It is expected to play a role as an open door to the future.


Each year, 150 to 200 inquirers will be awarded a prize, a prize, and a singer's certificate from the Korean Entertainment Association. It is to become a full singer recognized by the Republic of Korea.


Singer Choi Youna, Lee Jung-ok, Arang, Shin Eun-jeong of Duet Oz, Lee Ha-rin, Kim Sang-min, Hong Sung-nam, Song Kwang-ho, and recently talked about singer Chun-ja and Korean traditional singer Kim San-ok were also taken off there.


It is a contest to discover singers who dream of becoming the 2nd and 3rd Lee Nan-young. The Nanyoung Song and Mokpo Song Festival can be accepted in that defining the song as only the song of Lee Nan-young makes clear the nature and purpose of the song. On the other hand, by limiting the repertoire to only the songs released by Lee Young-young, one would like to find also a singer with more diverse talents.


In fact, the songs released by Lee Nan-young do not have such diverse genres. In addition, last year's Mokpo Song Festival limited male songs to Nam Jin and Na Hoon Ah's songs.


In the mid Joseon period, outstanding artists such as Yoon Sun-do, Nam Nong Hugan, Agenda Hur Baek-Ryun, Korea's leading literary artists, artists, and popular singers have produced as much as any other troubles. It is very encouraging that two national music festivals are held together every year in this song of the tears of Mokpo."


Written by Park Sung-seob (pop critic, journalist).

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Taken from Embedded Voices In Between Empires, Yongwoo Lee:

"From the mid 1930s, the dominant cultural forms of jazz and popular song Yuhaengga recordings (Yuhaengga is Korean term for popular song, a translation of the Japanese wod ryūkōka) tended to oscillate between developments from western and Japanese trends, which provided the dominant influences on jazz and popular music in colonial Korea. There was an influx of multiple and diverse popular forms, and genres such as jazz, blues, nonsense songs, enka, rumba and tango continued to proliferate until 1937, when Japan began to launch propaganda campaigns announcing that Koreans should think of Japan and Korea as united in a single body (naisenittai), and to regard their Korean selves as a part of a greater national entity (kokugo). The emergence of jazz in the mid-to-late 1930s in colonial Korea involved to a large extent musician-celebrities such as Lee Nan-Young, Lee Erisu, Kim Hae-song, Lee Jae-Ho, Wang Su-Bok and Che Gyu-Yup, who appropriated and copied the rhythms, chords and vocal styles of western compositions and performances. In a musical terms, appropriation is often considered ―a kind of betrayal of origins, where ―musicians perceived as copying other musicians‘ styles or inflections are ―associated with an assumed exploitation of weaker or subservient social or ethnic groups by more dominant and powerful groups as the appropriation of Black-American musical forms by white musicians, (Mitchell 1996:8). However, in the Korean context, mimicry and the appropriation of jazz and other western or Japanese music genres by colonial musicians and composers increased the subjective sense of the present and crystallized cultural perceptions regarding colonial circumstances, acting as a symbolic and ritual means of consuming western modernity, morals and values systems through the appropriation of hip jazz songs, while also incorporating indigenous elements to preserve Korean sentiments and traditional values in the form of a new kind of traditional folksong, Shinminyo.


However, Korea‘s cross-cultural dilemma illustrates a displaced western modernity shared by and filtered through the imagination of the Japanese colonizer. Thus the use of jazz as means of both consuming western vanity and indirectly counteracting the Japanese modernization was also reflected in the Korean popular songs. With the advent of jazz culture, youngsters‘ accommodation of western culture through jazz songs and the trendiness of the middle class consumption phonograph records empowered and homogenized these unidentifiable exotic western sounds as commercial commodities that could act as an ―oppositional and liberational signifier,‖ as Gilroy puts it (Gilroy 1991:9). Gilroy describes ―an overarching ‗Afro-centrism‘ which can be read as inventing its own totalizing conception of black culture. This new ethnicity is all the more powerful because it corresponds to no actually-existing black communities.‖ Thus colonial Koreans‘ imaginative relationship with jazz strengthened the idea of America and American culture and communities as a genuine and even utopic modernity, geared by the commodity fetishism of jazz records and modern technologies such as the gramophone and radio transistor.


Despites its popularity, many critics and conservative Koreans considered jazz a serious threat to the nation‘s morale, blaming it for supposedly implicitly welcoming rebellious behavior and producing an evil influence at home that could result in immorality or even dementia. Critics of the domestic play of phonograph records brought up issues regarding the wife‘s use of ―sane, sound‖ music at home. As Park elucidates, ―singing a vulgar song at home is an unpleasant thing. Clean and cheerful songs have to be played at home by utilizing radio programs to expel vulgar popular songs… Currently, many military songs and patriotic songs are played at home, which is a very stimulating fact. Having cheerful and immaculate songs at home is equivalent to having a sound and noble home. Since women, who played phonographs during the day while their husbands and children were away, dominated the market for phonograph records, the discourses of popular music selection, purchase and appreciation of recorded music were focused on the housewives of colonial Korea alongside articulations of Chonghu (home front) identity.


Meanwhile, the Charleston, one of the modern dances associated with jazz music, ignited the popularity of jazz for the Mobo and Moga. The jazzy gestures and the allure of American popular music under the suppressed colonial sovereignty quickly gained enormous popularity amongst colonial youngsters. Younger generations were ―desperately looking for a good Charleston player [as long as he/she can expertly dance to Charleston], they don‘t care even if it‘s Negro,‖75 which challenges dominant social morals. By appropriating alternative colonial narratives by consuming western culture as a means of sustaining emancipatory impulses, the colonial subject mimicked western attitudes by consuming modern symbol-jazz, and, at the same time, the appropriation of western culture in this younger generation also embraced the idea of a ―strategic reversal of the process of domination that turns the (colonizers‘) gaze of the discriminated back upon the eye of power by destabilizing colonial authority and challenging traditional morals in accommodating the febrile jazz craze as a subversive narrative.


The first poll vis-à-vis the most popular singer in Korea (figure 2-7) displays the popularity of phonograph records—the supplementary prize was a gramophone, as shown on the left—and the degrees of public preference for the singers at the time. Over ten thousand people participated in the poll to choose the most popular singer in Korea in September 1935,77 evidence of the enormous public interest in this music. Meanwhile, various phonograph records issued in the 12-inch, 78 rpm (revolutions per minute) format changed the music business following the popularity of phonograph record consumption and the new dance crazes along with blues and Jazz genre."

........

"Despite these various progressive constructions, many critics portray the time of the Total War as a period of cultural darkness by designating it as a period of cultural rupture in popular Korean music history (Lee 1998, Park 2007, Park 2009). The production and consumption of popular music in this era has been enveloped in this discourse of cultural blackout, particularly because people had to cope with Japanese militarism, contend with the exigencies of the stark conditions of the homefront and discourses of self-sacrificing for the Empire. The phonographs from the Total War era have never been completely published, re-recorded, archived or engaged with in intellectual discourses. How can the discourse of popular music during the late Japanese colonial occupation be defined and understood beyond this bifurcated category of pro-Japanese patriotism, involving both the conflict against war trauma and collective sentiments in opposition to the possibility of polymorphous identities?*


* In fact, there has been and still are several intense on-going discussions on the categorization of pro-Japanese activity and the aftermath of the unresolved history of the late Japanese occupation era in the popular music scene. For example, a popular music festival that pays tribute to singer Nam Insoo was heavily criticized by a nationalist organization named the Institute for Research in Collaboration Activities, (see here, since he contributed a song named ―Deep Gratitude of the Twenty Five Million (Icheonobaekman Gamgyeok, written by Cho Myeong-Am, composed by Kim Hae-Song, performed by Nam Insoo and Lee Nanyoung,1943) during the Total war era. Consequently, several singers and composers such as Cho Myeong-Am, Park Si-Choon and Baek Nyeon-Seol were also infamously categorized as pro-Japanese musicians. The issue unraveled on websites such as Ohmynews and Hopenews following the offensive and defensive claims of both nationalists and the fans of Nam. Due to hostile public opinion against perceived pro-Japanese activity, the name of the festival was changed, named after the birth place of the singer‘s hometown to the Jinju Popular Music Festival in 2006.


-Carioca* is the first rumba popular song labelled as ―jazz song,performed by Kim Hae-song and Lee Nan-Young. The B-side is blues song, ―Cheonggong,‖ which is a famous Japanese jazz song remake of ―Aosora,‖ (靑空) performed by Kim Hae-Song. Okeh Panphonic record, 1937.3. Thus, all the western-style songs were categorized as jazz song in colonial Korea by depending on Japanese selection and musical adaptation.



* Carioca, a term that also refers to the inhabitants of Rio de Janeiro, is a ballroom dance genre, mixing Samba, Maxixe, Foxtrot, Rumba and Tap. It was performed in the movie Flying Down to Rio by Ginger Rogers for the first time. Carioca as a music genre was introduced in 1933, in a song composed by Vincent Youmans and written by Edward Eluscu and Gus Kahn and introduced in the move Flying Down to Rio. ―Carioca - Wikipedia, the free encyclopedia." 4 August 2009 < http://en.wikipedia.org/wiki/Carioca_(song)>.

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From https://www.academia.edu/793783/New_Folksongs_Shin_Minyo_of_the_1930s


Songs such as ‘Pom mach’i/Greeting the Spring’, he says, used metaphor to express emotions that were often-suppressed: winter (kyôul) refers to the occupation and the melting of ice to its ending, spring (pom) stands for Korean liberation (Kim 2000: 91). The song, composed by Mun Howôl with lyrics by Yu Sôkchung, was recorded in 1934 by Yi Nanyông:

The ice melts and the water rushes

As the water flows winter passes away

Let’s go out and greet the spring.

At the riverside a weeping willow

Drooping with a silly snicker

Writes a spring letter in the rushing water

Ôhôyadûya ôhôûri!

Let’s go for it and greet the spring.

A pair of swallows kick up water

While flying in fast

Ôhôyadûya ôhôûri!

Let’s go for it and greet the spring.

(1992: SYNCD-016; my translation)

Subtle and not so subtle references to the occupation were not uncommon. In the third verse of ‘Nodûl kangbyôn/Nodûl Riverside’, an explicit reference to the occupation’s hardships appears, when the wasted lives of those who have been displaced and those who have died is mentioned. Ch’oe Ch’angho comments that ‘The melody, through a combination of popular and [traditional] rhythms that anyone could easily recognize, reeks of a unique national spirit. Moreover, in the third verse feelings of resistance flow that oppose the hardships and misery put on our countrymen for which the Japanese occupation is the root’ (2000: 34). The expression of Korean sentiment emerges from the mixture of lyrical reference, musical allusion and historical context.

and


"These Lacanian symptom/Sinthomes for the new world and the ephemeral ecstasy of emancipation were represented by various popular singers, either those who served the Japanese empire and were reluctantly mobilized to make sycophantic songs praising Japanese militarism during the Asia-Pacific War, or those diasporic popular singers who were expatriated to the foreign countries, mainly scattered in America and mainland Chinese cities such as Shanghai, Beijing and Manchuria.193 Narratives of popular music lyrics were also divided between those by repatriated popular singers from foreign countries extolling the glory of Korean liberation such as Hyun-In in ―Leoki Seoul” (Lucky Seoul, 1947) and Lee In-Gwon in ―Gwuiguksun” (Homecoming Cruise), or the local singers engaged in vaudeville shows such as as Kim Hae-song, Lee Nan-Young and Nam In-Soo, who crooned in elegiac empathy and sentimentalism for the national partition and alienation. The cultural spectrum, from local Korean musicians who underwent the colonial experience to the repatriated diasporic singers who underwent immigration, was molded into various expressions and sentiments to cast the Korean point of view into popular songs."


and


"..the reason for the Japanese affection for Enka207 is that, first, it rehumanizes the modern audience by returning them to their own emotional ―wetness,‖ by narrating more personal and intimate details of their lives, and secondly, enka can specifically explain the Japanese sentiments (Yano 2002). For similar reasons, Korean popular songs are commonly called Gayo in Korean, build upon processes of nostalgically-framed sentiments and expressions which can serve as a displacement of collective remembering and forgetting. According to the research of Kim Jeom-Do (2001), the most frequently performed Korean popular songs on the Gayomudae program were created between 1940 and the 1950s, as follows:


Tears in Mokpo, Lee Nan-Young

What constraints does the colonial experience establish around popular song narratives during the post-liberation era? How do popular songs‘ relations to social contexts exacerbate the national ―collective ethos‖ of this specific era? The production of cultural memory through popular songs in this period is historically situated by generating recollections through voices tangled with historical incidents, such as the shift from the schizophrenic exhilaration of national liberation, capturing moments of longing and yearning and the excruciating sense of national separation and alienation accompanying the 38th military demarcation. "...


and


"The offspring of the famous Kim Hae-Song (composer and singer) and Lee Nan-Young (singer),are the Kim sisters, composed of three female vocalists Sook-ja, Mi-a and Ai-ja Kim.*


Kim Hae-song (Korean; 1911 - 1950) is a classical music conductor and popular music composer killed by the North Koreans during the Korean War. Lee Nan-Young (Korean, 1916 - 1967) is legendary popular singer during Japanese occupation era. "

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One song, ‘ Nae kohyangûl ibyôlhago/Farewell To My Hometown’, tells of a person who has left their hometown to live elsewhere, using words such as ‘suffocating’ and ‘lonely’ to describe their mood. From their perspective, as we hear the song, the hometown becomes a distant, idealized place that is missed. Individual and family displacement during the occupation can be associated with this feeling of alienation from one’s identity so firmly rooted in the hometown, and many who heard the song would have related to its theme during a time of tremendous social and cultural upheaval. Kim considers that the ‘ shin minyo effort’ was entwined with abstract concepts such as the people’s sentiment or spirit, with song themes that spoke of hardship. Songs such as ‘ Pom mach’ i/ Greeting the Spring’, he says, used metaphor to express emotions that were often-suppressed: winter (kyôul ) refers to the occupation and the melting of ice to its ending, spring ( pom) stands for Korean liberation (Kim 2000: 91). The song, composed by Mun Howôl with lyrics by Yu Sôkchung, was recorded in 1934 by Yi Nanyông:


The ice melts and the water rushes As the water flows winter passes away Let’s go out and greet the spring. At the riverside a weeping willow Drooping with a silly snicker Writes a spring letter in the rushing water Ôhôyadûya ôhôûri! Let’s go for it and greet the spring. A pair of swallows kick up water While flying in fast Ôhôyadûya ôhôûri! Let’s go for it and greet the spring. (1992: SYNCD-016; my translation)


Subtle and not so subtle references to the occupation were not uncommon. In the third verse of ‘ Nodûl kangbyôn/Nodûl Riverside’, an explicit reference to the occupation’s hardships appears, when the wasted lives of those who have been displaced and those who have died is mentioned. Ch’oe Ch’angho comments that ‘The melody, through a combination of popular and [traditional] rhythms that anyone could easily recognize, reeks of a unique national spirit. Moreover, in the third verse feelings of resistance flow that oppose the hardships and misery put on our countrymen for which the Japanese occupation is the root’ (2000: 34).


The expression of Korean sentiment emerges from the mixture of lyrical reference, musical allusion and historical context. The lyrical imagery and the instruments used provide listeners with clues of the music’s identity, but the performer’s vocal style is similar to that of other popular genres of the time. The vocal styles of folksongs were dependant on the region, singers of central Kyônggi minyo using a slightly nasal vocalization with elaborate ornamentation and singers of southwestern Namdo minyo utilizing more earthy and emotional voices. Despite these stylistic differences, the strong and rich vocal qualities of traditional folksongs stand out against the rather thin and weak vocal quality of popular singers in the 1930s, from which shin minyo singers differed little. Very few ingers actually specialized in shin minyo, with only a handful known as shin minyo performers; many also recorded songs in other genres. They became associated with the genre when a song they recorded became a hit. For example, Kim Yonghwan, a singer who began his career on stage, recorded ‘Sum swinûn pudu/Living (or Thriving) Wharf ’ in 1933, and after that wrote and sang several songs classed within the shin minyo category. Kim Pokhûi worked for Victor Records and others, but with the recording of ‘ Paektusan agassi/Paektu Mountain Girl’ became quite a star. Yi Kyunam recorded many ‘new popular songs’ ( shin kayo) for Columbia into the 1940s.11 Sôn Uilsôn worked for Polydor, Victor, and T’aep’yông Records, recording one of the earliest songs labeled as shin minyo, ‘ Kkoch’ûl chapk ’ o/With Flowers in Hand’ for Polydor. Yi Aerosu (also known as Yi Aerisu) worked with Victor Records and is known for singing ‘ Nim maji kaja/[Let’s] Go Meet [My] Love’. Wang Subok (Wang Sôngshil) was trained in the singing of literati songs (kasa and shijo) and recorded with Columbia and Polydor records, becoming known as a shin minyo singer when she recorded ‘Ulji marayo/Don’t Cry’ although she also performed more traditional folksongs such as ‘ Nilliriya’ and ‘ Kin arirang ’ .


Amongst these, Wang was the exception: Ch’oe Ch’angho remarks that folksong singers distanced themselves from shin minyo performance, feeling uncomfortable with what they considered to be a musical hodgepodge (2000:53). Their discomfort may have been coloured by their distaste for performing music that was not pure folksong, but their absence from the ranks of those who sang shin minyo contributed, Ch’oe says, to the decline of the shin minyo genre. Shin minyo was a phenomenon of its time. The attraction it had for audiences of the 1930s made it this, but also contributed to its stagnation. For scholars, the difficulty of examining shin minyo is that there is no clearly defined account of it. There were, even within the recording companies, no organizations of composers or management associations. As Ch’oe notes, its seemingly spontaneous appearance leaves little evidence of a solid existence (2000: 52), and the lack of information plays a part in disrupting the potential momentum of shin minyo as a part of Korean popular culture. The most significant factor is that the genre could not reach its full potential in the world; it was lost in the shuffle, disdained by traditional folksong performers and lost to the popular appeal of yuhaengga. In short, shin minyo failed to thrive in the rapidly developing context of Korea. Hence, when I ask my Korean contemporaries about shin minyo, many turn up their noses and say: ‘That’s old people’s music’. The majority of Koreans I’ve spoken to know little about the genre, but all associate it with the occupation era. Shin minyo, though, is also a phenomenon of contemporary Korea, a Korea emerging from Third World economy to international player, from feudalism to democracy. While it fell out of favour and fashion, it remains relevant for three reasons. First is its status as a pioneering popular music, along with other genres of its time, setting the stage for the burgeoning Korean recording industry. One can almost see shin minyo as a marketing experiment, since it was one of the first recorded conscious attempts at creating and promoting a Korean, albeit hybrid, musical genre. Second is the emphasis on shin minyo’s extra-musical character: some contend it not only served as a representation of the Korean spirit but also provided a forum for meaningful cultural expression. Third, while shin minyo may have lost its place as a favourite among the listening public, it remains one of the original efforts at revising an old music to fit contemporary tastes. Not until the 1960s was another attempt mounted to revise traditional forms and emphasize Korean music’s communicative value for the Korean spirit.


from New Folksong: Shin Minyo of the 1930s Hilary Finchum-Sung

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From Globalisation and popular music in South Korea, Michael Fuhr, Routledge, 2016:


"The subject of t'urot'u songs was always defeated by the cold and hard reality of a world full of impossibilities and was always denied fulfillments of basic human desires, and has thus become a metaphor for the nation's desperation under colonial reality (Hwang 2005, 46)." Typical examples are Lamentation of Separation by Ko Poksu in 1934 and Tears of Mokpo Port sung by Lee Nan-Yong in 1935. In addition to melancholic lyrics, both songs contain regular 4/4 meter (in contrast to the 3/4 meter of earlier popular and folk songs), minor pentatonic scale and a vocal style with heavy inflections, which together represent the standard characteristics of t'trot'u from the mid-1930s until the 1950s (Lee, 2006a,4)."


see also http://blog.daum.net/...

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From Daum 블로그


Ⅰ. 들어가며

한국전쟁의 상처가 채 아물기 전인 1957년 이난영은 일제시기 부터 레코드회사 동료였으며 수없이 많은 공연에 함께 출연했던 가수 고복수의 은퇴공연 무대에 섰다. 당시 이 공연을 기념하여 마련된 KBS 라디오 프로그램의 녹음자료가 남아 있는데, 여기에 이난영의 육성이 포함되어 있다. 녹음자료에서 이난영은 고복수와의 추억담을 말해달라는 사회자의 요청을 받은 뒤, 다음과 같이 자신의 소회를 풀어놓았다.

네, 고선생님과 저와는 잊을래야 잊을 수 없고, 또… 지금으로부터 27년 전 저는 고선생님보다 1년 먼저 앞서 오케레코드 회사에 입사했었습니다. 1년 후에 고선생님을 만나 뵙고 무대에서 같이 노래도 같이 했었고 지금 마흔 고개가 넘어서 같이 늙은 셈이죠. 오늘에 와서 고선생님의 은퇴공연을 볼 때, 저는 단지 가슴이 벅차고 눈물만 앞서서 울고만 싶은 생각밖에 아무 생각이 없습니다. [*잠시 울먹거림] 좋은 벗을 무대에서 잃어버린 것 같고 제 자신도 앞으로 무대 생활을 얼마 생명이 남지 않은 그런 기분이 들어서… 옛날만 새로워지고 옛날 추억이 그립습니다. 일본에 건너갔었을 때 고선생님이 여러 우리 동포들 앞에서 장구를 메고 그 신이 나게 칠 때 재일동포들은 얼마나 감격했으며 그때 시절을 지금 생각하면 오늘 시공관 무대에서 다시 그 시절로 다시 돌아가는 그 기분이 새로워집니다. 저는 요새 건강이 좋지 않아서 고선생님 은퇴공연에 출연 못할까봐 제일 걱정했습니다만, 다행히 죽지 않고 오늘의 마지막 무대를 같이 서게 된 것을 제일 기쁘게 생각하는 동시에 [*다시 울먹거리기 시작] 오늘 방송도 마지막으로 생각할 때 저는 단지 감개무량할 뿐입니다. 이것으로 고선생님 앞으로 저희들을 떠나시더라도 잊지 마시고 마음만은 변치 말아 주셨으면 제일 감사하게 생각하겠습니다. 우리 동지 대표로서 제가 고선생님께 감사의 말씀을 드리는 바입니다. 1

곧바로 이난영은 사회자의 곡 소개와 함께 <목포의 눈물>을 부르는데, 1절을 부른 뒤 격한 슬픔의 감정에 휩싸인 그녀는 2절에서는 노래를 제대로 이어가지 못한 채 계속 흐느꼈다. 방송사고나 다름없었던 이날의 무대에서 이난영은 결국 옆자리에 있던 고복수의 도움으로 힘겹게 노래를 마칠 수 있었다. 이난영의 <목포의 눈물>이 이보다 더 슬프게 불러진 적이 있었을까?

그런데 이난영은 이 무대에서 왜 그토록 주체할 수 없는 슬픔을 느꼈던 걸까? 동료가수의 은퇴라는 사실이 주는 충격과 지난 인생에 대한 회한이 그 원인이었을 법하다. 하지만, 이난영은 매우 어린 나이에 데뷔했던지라 1957년 당시에도 이제 막 40대에 접어든 젊은 나이였다. 동료가수의 은퇴공연에서 으레 느꼈을 법한 감상적(感傷的) 소회라고 하기에는 그 감정이 과잉의 상태에 치닫고 있다는 느낌을 지우기 어렵다.

대중의 사랑을 받는 한 사람의 가수이기 이전에 한 인간으로서 이난영이 가졌을 슬픔의 감정을 온전히 헤아리는 것은 물론 쉽지 않은 일이다. 6・25 동란에 남편 김해송을 잃은 이후 7남매의 생계를 책임지면서 남편이 이끌던 악극단을 대신 운영하다가 실패를 거듭했고, 그 와중에도 어린 딸들을 훈련하여 연예계에 성공적으로 입문시키는 등 당시 그녀는 물질적으로나 정신적으로나 힘겨운 생활을 이어가고 있었다. 설상가상 약물중독과 알콜중독 증상으로 건강 또한 악화되어 있었던 것으로 보인다.

이난영의 또 다른 동료가수였던 남인수가 그녀에게 손을 내밀었던 것도 이 무렵부터인데 기혼자였던 그가 불륜의 관계 맺기를 불사했던 것도 오랜 음악 동료의 자기파괴적 우울증에 깊은 동정을 느꼈기 때문이었으리라 생각한다. 이미 폐결핵 증상을 보이던 남인수는 이난영의 슬픔과 육체적 고통에 동병상련으로 공감했을 것이다. 이난영 또한 연하의 기혼남이었던 남인수에게 의지하고 매달렸으며, 불치병을 앓고 있던 그를 헌신적으로 보살피기도 했다. 하지만 세간의 화제를 뿌리고 불륜에 대한 사회적 비난의 시선을 받으면서도 유지되던 이들의 끈끈한 관계 역시 1962년 남인수의 죽음으로 짧게 매듭지어졌다.

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Translation (with mistakes):


I. Intro In 1957, before the Korean War was healed, Lee Nan-young was a retirement performance by singer Ko Bok-soo, who was a colleague of record companies since the Japanese colonial period and appeared in countless performances. At the time, there was a recording of the KBS radio program in memory of this performance, which included Lee's upbringing. In the recording, Lee Nan-young received a request from a moderator to talk about his memories with Go Bok-soo.


Yes, I can't forget it that my teacher and me, twenty-seven years ago, I joined O'Record Company one year before Mr. Ko. A year later, I met Mr. Ko and sang together on stage, and now I'm over forty years old. When I see today's retirement performance, I have nothing but my heart and I want to cry ahead of tears. [pauses for a moment] I feel like I've lost my good friend on stage, and I myself feel like there's not much life left in the future. Only the old is renewed and the old memories are missed. When I went to Japan, Mr. Go was wearing a janggu in front of many Koreans and struck the gods, and how impressed the Koreans were when they thought about it now. I was most worried that I would not be able to appear in the retirement performance of Mr. Ko because of poor health, but fortunately, I was most pleased to be on the last stage of today without dying. It's just heavyweight. If you leave us in the future, please don't forget to change your mind. As a representative of our comrades, I would like to thank Mr. Go. One


Immediately, Lee Nan-young sings Mokpo's Tears along with the introduction of the song by the moderator. After singing verse 1, she was deeply saddened and mourned. On the stage of this day, which was like a broadcasting accident, Lee Nan-young was able to finish the song with the help of Go Bok-soo, who was next to him. Could Lee Nan-young's Tears of Mokpo have been called more sadly than this?


But why did Lee feel so sad that he could not control this stage? Perhaps it was the shock of the retirement of a fellow singer and the regret of his past life. However, Lee debuted at a very young age, and in 1957, she was just young. It's hard to say that the feelings are getting overwhelmed by the sentimental sensation that you might have felt in your retirement performance.


It is, of course, not easy to count the feelings of sadness that Lee Nan-young had as a human being before a singer loved by the public. After losing her husband Kim Hae-song during the June 25th Disaster, she failed to run her husband's troupe, leading her husband's livelihood, and trained her young daughters to enter the entertainment world successfully. Mentally difficult life was going on. To make matters worse, it seems that their health has also deteriorated due to drug and alcoholism symptoms.


It was also from this time that Nam In-soo, another fellow singer of Lee Nan-young, reached out to her, and it seems that he, who was married, was impressed with his long-standing music companion's self-destructive depression. Nam In-soo, who had already shown symptoms of pulmonary tuberculosis, may have resonated with Lee Na-young's sorrow and physical pain. Lee also relied on Nam In-soo, a younger married man, and devotedly cared for an incurable man. However, the sticky relations that were maintained despite the issue of social criticism of affairs after being spawned by public topics were also shortened by the death of Nam In-soo in 1962.

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같은 해12월에 이난영은 미국 연예계에서 성공한 딸들(김시스터즈)의 초청으로 미국에 가게 되는데, 이 초청 또한 남인수 사후 어머니의 우울증에서 위험신호를 감지한 딸들의 걱정에서 비롯된 것이었다. 딸들과 라스베가스의 무대에 함께 서기도 하고 유명한‘에드 설리번 쇼’에 출연하기도 한 그녀는(*참고글) 8개월여의 미국생활을 접고1963년8월 돌연 귀국한 뒤 한국내에서‘김보이스’ 등의 이름으로 연예활동하고 있었던 세 아들들의 음악적 전열을 정비하여 그 해11월에‘김브라더스’라는 이름으로 미국에 진출시킨다. 딸들의 성공을 현장에서 직접 목격한 어머니의 주도면밀한 가족 관리가 엿보이는 대목이다.

이제 한국에서 홀로 남은 것이나 다름없었던 이난영의 삶은 이후1년 남짓 유지되다가1965년4월11일 서울 회현동의 자택에서 마무리되었다. 사인은 공식적으로는‘심장마비’로 기록되었지만, 자살 가능성도 적지 않아 보인다. 어느 경우든 그녀의 죽음은 그녀가 겪었던 오랜 우울증 증상과 약물중독 등으로 얼룩진 피폐한 삶을 그림자처럼 드리우고 있다.

한 대중가수의 말년의 삶을 이렇듯‘슬픔’ 또는‘우울’이라는 감정적 측면에 주목하여 서술하는 것은 음악사에 대한 객관적 관찰을 소임으로 하는 음악학자의 글에서 기대되는 것은 아닐지도 모른다. 하지만, 공적 삶과 사적 삶이 뒤엉켜있는 가수와 같은 대중연예인들의 정서적 삶은 사회적 의미를 띠게 되는 경우가 종종 있다. 특히 그 주인공이 이난영과 같이 커다란 사회적 주목을 받은 이라면 더욱 그렇다.

애도 내지는 치유에 실패한 비정상적 슬픔의 지속 상태로서의 우울증과 멜랑콜리는 근대적 질병이다. 우울증은 공적 영역과 사적 영역의 분리, 나아가 자기의식의 심화과정에서 생기는 자기분열적 심리 상태이기 때문이다. 그것은 자기애의 왜곡된 형식이다. 2곧 자신의 일부로 여겼던 대상들의 상실을 곧 자기상실의 형태로 내면화하는 과잉의 자의식이 멜랑콜리와 우울증의 원인인 것이다. 대중들의 사랑을 받는 연예인들이 우울증에 걸리기 쉬운 것도 이 때문인데, 그들은 대체로 평범한 사람들보다 자기애가 강할 뿐만 아니라 대중들에 의해 표상되는 자신의 이미지들을 곧 자신의 일부로 받아들이기 쉽기 때문에 그러한 이미지가 상실될 때 곧 무의식적 자기상실로 연결되는 경향이 있는 것이다.

하지만, 이난영의 우울증상을 임상병리학적 수준에서 검토하는 것은 이 글의 목표에서 벗어나 있다. 이 논문에서 드러내 보이고 싶은 점은 대중예술가로서 이난영의 사적 욕망이 현실의 모순적 구조에 의해 왜곡 형성되거나 좌절되는 지점들이다. 급변하는 근대적 삶의 요구 속에서 이질적이고 중층화된 방식으로 호명된 이난영의 페르소나는 굴절을 거듭하여 마침내 자기분열에 이를 수밖에 없게 된다. 그것은 물론 그녀의 비극적인 개인사에 해당하는 일일 수 있지만, 그녀의 노래, 그리고 대중연예인으로서의 성공과 좌절의 과정은 식민지배와 남북분단, 그리고 전쟁으로 얼룩졌던 질곡의 한국 현대사에서 대중의 욕망이 움직여갔던 파행의 과정을 파편화된 형태로나마 은유적으로 재현해 보이고 있다.

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In December of the same year, Lee Nan-young went to the United States with the invitation of his successful daughters (Kim Sisters) in the US entertainment industry, which also originated from the worry of the daughters who detected a danger signal from her mother's depression after Nam In-soo's death. She has been on the stage in Las Vegas and has appeared on the famous Ed Sullivan show (* Reference) after 8 months of American life and suddenly returned to Korea in August 1963. The musical lineup of the three sons, who were performing in the name of the artist, was reorganized and entered the US under the name of Kim Brothers in November of that year. This is a glimpse of the mother's careful family management who witnessed the success of their daughters.


Lee Nan-young's life, which had been left alone in Korea, was maintained for more than a year, and he finished his home in Hoehyeon-dong, Seoul on April 11, 1965. The cause of death was officially recorded as a “heart attack,” but it does not seem suicidal. In either case, her death casts a shadowy life on her long list of depression and drug addiction.


It may not be expected in the writings of a music scholar whose objective observation of music history is to describe a popular singer's later life with sorrow or depression. However, the emotional life of popular celebrities, such as singers, in which public and private life are entangled, often take on a social meaning. Especially if the protagonist received great social attention like Lee Nan-young.


Depression and melancholy as a constant state of mourning or abnormal sorrow failing to heal are modern diseases. This is because depression is a self-dividing psychological state that arises from the separation of the public and private spheres, and furthermore, the deepening of self-consciousness. It is a distorted form of narcissism. 2 The excessive self-consciousness that internalizes the loss of objects that were considered part of oneself in the form of self-loss is the cause of melancholy and depression. This is the reason why celebrities loved by the public are more susceptible to depression, when they are lost because they are not only stronger than ordinary people, but also easily accept their own images represented by the public as part of them. It tends to lead to unconscious self-loss.


However, reviewing Lee's depression at the clinical and pathologic level is beyond the scope of this article. What I want to show in this paper is the point where Lee's personal desire as a pop artist is distorted or frustrated by the contradictory structure of reality. Named in a heterogeneous and stratified way in the rapidly changing demands of modern life, Lee's Persona has refractions that eventually lead to self-disruption. It may, of course, correspond to her tragic personal history, but her song, and the process of success and frustration as a public celebrity, are the lameness of the masses' desires in Korean modern history of colonial rule, division of North and South, and war. Its process is metaphorically reproduced in fragmented form.


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Ⅱ. 이난영과<목포의 눈물>

이난영이1932년경 고향인 목포 공연을 온 태양극단에 열여섯의 어린 나이로 입단했을 때, 그녀의 꿈은 가수보다는 배우였다. 하지만, 태양극단에서 그녀는 극단의 허드렛일을 하는 아이로 착취당하기 일쑤였다. 31930년대의 연극계는 유성영화 시대에 돌입하여 대중적 인기가 치솟아 오른 영화와 힘겨운 생존경쟁을 벌이고 있었다. 이 과정에서 극단들은 대중들의 흥미를 끌기 위한 막간(幕間)무대를 경쟁적으로 연출해냈고, 어린 이난영은 태양극단의 막간무대 가수로 처음 무대에 서게 된다. 4

태양극단의 막간무대에서 어린 이난영은 이미 재능을 발휘했던 것으로 보이지만, 극단은 그녀가 품고 있던 배우의 꿈을 실현시켜주지 못했다. 태양극단 소속으로 일본 오사카에 머물고 있던1933년 당시 그녀는 태평레코드사에 발탁이 되어<시드는 청춘>을 녹음함으로써 레코드가수로서의 데뷔를 하게 된다. 하지만, 이 시기 일본 방문중이던 오케레코드사의 이철 또한 그녀를 발탁하여 자기 회사의 전속가수로 계약을 맺게 됨으로써 이후로 이난영은1943년까지 오케레코드의 전속가수로서 활약하게 된다. 1933년과1934년 사이 오케레코드사에서 녹음 발표한<향수>, <불사조>, <고적> 등의 유행가들이 크게 히트하면서 이난영은1935년10월 대중잡지<삼천리>에서 실시한‘인기가수 투표’에서 여자가수 부문3위를 차지할 만큼 유명인의 반열에 오르게 된다.

1935년은 이난영의 대표곡인<목포의 눈물>이 녹음된 해이기도 한데, 이 노래를 취입하기 직전인8월에<삼천리>에 실린 이난영 인터뷰를 보면 그녀가 여전히 배우에 대한 동경을 가지고 있었음을 알 수 있다. 이 인터뷰에서 그녀는‘흠모하는 예술가’를 묻는 기자의 질문에 가수 대신 외국의 여배우 둘을 다음과 같이 꼽고 있다. “조선분들이야 어떻게 말씀하겠어요? 구레타 칼보(*그레타 가르보)와 入江たか子(*이리에 다카코)가 좋아요, 같은 동성으로는.”

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II. Lee Nan-young and <Tears of Mokpo>


When Lee Nan-young joined Mokpo, his hometown circa 1932, at the age of sixteen, she was an actor rather than a singer. However, at the Sun Company she was often exploited as a child doing extreme chores. 3 The theatrical world of the 1930's entered the era of meteorological films and struggled with the survival of the film, which had soared in popularity. In the process, the theater companies produced a competitive interlude stage to attract the public's interest, and young Lee Nan-young first appeared on the stage as an interlude stage singer of the solar company.


On the interlude stage of the solar company, young Lee Na-young seems to have already used his talents, but the troupe did not realize her dream of actress. In 1933, when she was in Osaka, Japan, she was selected by Taepyung Records to make her debut as a record singer by recording Sid's Youth. However, Lee Cheol, who was visiting Japan during this time, also selected her and signed her contract as an exclusive singer of her company. Popular trends such as perfume, phoenix and archaeological record, recorded by Ocher Records between 1933 and 1934, Lee Nan-young in the popular magazine `` Samcheonri '' in October 1935 He is one of the most famous celebrities in the female singer category.


1935 was also the year of Lee's representative song Mokpo's Tears, and in an interview published in Samchully in August just before the song was taken, I know that she still had a longing for the actor. Can be. In this interview, she cited two foreign actresses instead of a singer in a reporter's question asking an admiring artist: “How do you say it's Chosun? I like Gureta Calvo and Greta Garbo.


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이리에 다카코(入江たか子, 1911~1995). 1931년에 찍은 사진

Irie Takako (入 江 た か 子, 1911-1995). Picture taken in 1931.

미국 할리우드의 여배우 그레타 가르보는 말할 것도 없거니와 이리에 다카코와 같은 일본 여배우 또한‘서구적 여성상’을 재현하는 배우였다. 6여기서 이난영이 감수성 예민한10대의 시기부터 품고 있던 욕망이 향하고 있는 지점들을 짐작할 수 있다. 이것은 단순히 이난영 개인의 욕망이 아니라 이 시대 식민지 조선의‘모던걸’과‘모던보이’들의 욕망이기도 했다.

1930년대 식민지 조선의 음악 문화는 음반과 할리우드 영화와 같은“초국가적 매스 미디어를 매개로 하여 처음으로 일상문화의 층위에서‘글로벌’을 의식하기 시작했으며 그 글로벌한 상상력을 통해‘로컬’을 또한 인식했다.” 7이 시기 본격적인 도시 문화를 체험하기 전까지 조선인의 음악적 향수는 자신이 속한 물리적 공간에 한정되어 있었다. 다른 지역의 음악을 접하기란 거의 불가능했고, 설사 접한다 해도‘중심-변두리’의 구도를 설정할 수 있는 감성적 차원이 존재하지 않았다.

요컨대 이난영의<목포의 눈물>이 발표되고 불려졌던1930년대 중반의 시기는 식민지 조선인들이 새로운 감성적 차원, 즉‘중심-변두리’의 심상지리(imagined geography)를 갖게 된 역사적 시점과 겹치는 것이다. 이러한 심상지리가 전제된 상태에서<목포의 눈물>은 애초에‘향토노래’, 당시 하나의 트렌드를 형성하기 시작하던‘신민요’의 변종으로서 호명된 노래였다. <목포의 눈물>은1935년1월<조선일보> 지면을 통해 오케레코드사에서‘향토노래 현상모집’ 광고를 하여 뽑힌 목포출신의 시인 문일석의 노래가사에 작곡가 손목인의 가락을 붙여 이난영의 목소리로 녹음한 뒤 그해8월에 발표된 곡이다. 물론 양식적인 면에서<목포의 눈물>은 당시의 전형적인 신민요와는 상당 부분 구별되며, 보통의 유행가에 가까웠다.

따라서 그것은 음반사의 상업적 고려였을 뿐이기도 하지만, 8음반 라벨에까지‘신민요’라는 장르명을 붙여 발매되었다는 점은<목포의 눈물>이 갖는 독특한 문화적 의미를 오히려 강조해주는 면이 있다. 즉<목포의 눈물>은 유행가라는 당시로서는‘모던한’ 음악에서조차 요구된 지역색을 담은 노래, 다시 말해‘중심’을 의식하는‘변두리’의 노래였다는 점이다. ‘목포’라는 지역적 표상은 이러한 요구에 적절히 부응했는데 목포는 당시만 해도 지금과 같은 낙후된 소도시 이미지가 아니라 중국의 상하이와 같이 외래의 선진 문물을 향해 열려 있는 모던한 항구 도시로서의 이미지를 갖고 있었기 때문이다.

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Not to mention actress Greta Garbo, a Hollywood actress, and Japanese actresses like Irie Takako were also actors who reproduced the Western Woman Award. From this point, we can see the point where Lee's desire has been headed since his sensitive teenage years. This was not just the desire of Lee Nan-young's individual, but also the desire of the “modern girls” and “modern boys” of colonial Joseon in this era.


In the 1930s, the colonial Joseon's music culture began to become conscious of 'global' at the level of everyday culture through the transnational mass media such as records and Hollywood films, and also recognized 'local' through its global imagination. 7 The musical nostalgia of Koreans was limited to their physical space until they experienced the full-scale urban culture of this period. It was almost impossible to come across music from other regions, and even if it came into contact, there was no emotional dimension to set the composition of the “center-border”.


In short, the period of the mid 1930s when Lee Nan-young's Mokpo Tears was published and called was overlapping with the historical point when colonial Koreans had a new emotional dimension, the 'imagined geography' of the 'edge'. With this imagery presupposition, Mokpo's Tears was a song that was originally named as a 'local song', a variant of 'Shin Min-yo' that began to form a trend at the time. The Tears of Mokpo were written by the voice of the composer's wrist in the song lyrics by Moon Il-seok, a poet of Mokpo who was selected by the advertisement of 'Local Song Phenomenon' from O'Record Company on January 1935. After the recording, it was released in August of that year. Of course, Mokpo's tears were distinguished from the typical neo-folk songs of the time and were close to ordinary fashion.

Therefore, it was not only a commercial consideration of the record label, but the fact that it was released under the genre name of “Shin Min-yo” on the label of 8 albums emphasizes the unique cultural meaning of Mokpo Tears. In other words, Mokpo's Tears was a song of local color that was required even in 'modern' music at the time of being a popular singer, that is, a song of 'Burri', conscious of 'center'. The local representation of 'Mokpo' responded appropriately to this demand, because Mokpo was not the old image of a small town at the time, but a modern port city open to foreign advanced cultures such as Shanghai, China.


The young female singer Lee Nan-young from Mokpo also had the conditions to be the main character of the song (of Mokpo) in every way. The tears of farewell, shedding the pier's new evil, actually portray the point of frustration that is expected of young Lee's desire.


She wants to leave the port after her desire, but the reality of colonial Joseon requires her to stay in the port with the 'along hem'. With his unprecedented hits, Mokpo Tears, recorded at a young age, Lee was forced to accept this passive, traditional, and even 'theological' feminine image as part of her. It was, of course, different from the actual Lee Nan-young, who dared to ride a ferry to Japan at the age of sixteen, dreaming of (becoming the) “Greta Garbo of Joseon.”


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Ⅲ. 이난영과<다방의 푸른 꿈>

<목포의 눈물>을 포함한 식민지 시기 유행가의 공통되는2박 내지4박의 기초 리듬(이른바‘뽕짝 리듬’)은19세기의 케이크워크(cakewalk)나 래그타임(ragtime), 20세기 초반의 폭스트롯(foxtrot), 나아가 스윙(swing) 등에서 기원을 찾을 수 있는 서구 댄스홀 문화의 산물이다. 이는1차 세계대전과2차 세계대전 사이의 기간 미국의 음반 산업을 중심축으로 초국가적 대중음악 문화가 형성되면서 세계적으로 공유케 된 새로운 의미의 음악적 공통 관습(common practice)이라 할 수 있을 것이다. ‘폭스트롯’과‘스윙’은 당시 식민지 조선의 모던걸과 모던보이의 이상향을 표상하던 할리우드 영화의 배경음악에서 쉽게 들을 수 있는 모던한 리듬이기도 했다.

식민지 조선의 음반산업과 대중음악이 폭발적으로 성장하던1930년대 중후반의 시기는 이렇듯 새롭게 형성된 대중문화를 통해‘초기 세계화’의 징후를 드러내고 있었지만 식민지적 현실에서 그러한 세계적 조류는 언제나 일본을 경유해서 들어올 수밖에 없었다. 당시 레코드음악의 조류를 진단하는 태평레코드사의 문예부장 민효식의 다음 인용문을 보면 앞 절에서 살펴보았던‘신민요’에 대한 추구 또한 일본의 경향을 좇은 것이며, 마찬가지로 일본에서의 유행을 좇아‘재즈’ 음악이 식민지 조선에서도 유행할 조짐을 보이고 있음을 알 수 있을 것이다.

처음에‘民謠’가 한창 유행되던 시기로 말하면, 아직 일반이 레코-드에 대한 이해와 지식이 없엇을 때, 부득이한 현상으로서의 나타낫든 바 사실이겟고, 그 다음부터 한동안 유행되든 영화해설 등도 역시 東京에서부터 건너온 潮流이엿고 그 뒤‘流行歌’의 유행도 東京방면의 유행 그대로를 따러서 되엿든 것이 확실한 바입니다. 그러면 최근에 와서 갑작이 새로히 유행되고 잇는‘新民謠’ 역시 東京방면의 고전풍에 따라서 우리도 우리의 옛 것을 다시금 음미하여 보고 캐내여 다시금 불러보리라는 데서 나타난 현상이라고 봅니다. 그럼으로 이 땅의 레코-드界에도 마지하려는 새해부터는 東京방면에서 가장 만히 지금 유행의 중심점을 이루고 잇는 짜-즈盤이 유행될 것을 미리 예측하고도 남음이 잇을 것입니다. 벌서 얼마 전부터도 이 방법을 시험하여 본 회사가 잇섯스나, 이 해부터는 점점 만허저 갈 것이 사실입니다.

이난영은1935년<<삼천리>>에서 행한 레코드가수 인기투표에서 여가수 부문3위에 올랐는데, 당시1위와2위를 차지한 왕수복과 선우일선은 모두 기생출신 가수였다. 이난영은 기생출신이 아닌 만큼‘민요’와‘신민요’에 능했던 기생출신 가수들보다는 좀 더 모던한 음악, 나아가‘재즈’에 강세를 보였고, 실제로 그러한 음악을 지향하고 있었던 것으로 보인다. 그녀가 같은 오케레코드사 소속의 작곡가이자 가수 겸 연주자였던 김해송과 비교적 이른 나이에 결혼하게 된 것(이난영이 스물 한 살 되던1936년12월24일에 결혼)도 두 사람 사이의 인간적 교감만이 아니라 김해송이 추구한 재즈풍의 모던한 음악과 이난영의 음악적 지향이 공명을 이루었던 탓도 있을 것이다.

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III. Lee Nan-young and <The Blue Dream of a Coffee Shop>


The basic two- and four-night basic rhythms (collectively Mokpo Rhythms) of the colonial period, including Mokpo Tears, are the 19th century cakewalk, ragtime, and early 20th century foxtrot. It is the product of Western dancehall culture, whose origin can be found in foxtrot and even swing. This is a new meaning of musical common practice that has been shared worldwide as the transnational pop music culture was formed around the US record industry during the period between World War I and World War II. The Foxtrot and Swing were also modern rhythms that can be easily heard in the background music of Hollywood movies that represented the ideals of modern girls and modern boys in colonial Joseon.


In the mid-1930s, when the record industry and popular music of colonial Joseon grew explosively, these newly formed pop cultures showed signs of 'early globalization', but in colonial reality, such a global tide always came through Japan. There was no. The following quote from Min Hyo-sik, the director of literature at Taepyeong Records, which diagnoses the tide of record music at the time, follows the Japanese trend, and the pursuit of 'new folk songs', which was discussed in the previous section, is similar to 'jazz' music in Japan. It can be seen that the colonial shipbuilding shows signs of fashion.


In the beginning, when the people were in vogue, when the general public still had no understanding and knowledge of records, it was an unavoidable phenomenon, and the movie commentary, which was popular for a while, was also in Tokyo. It is clear that the flow of water came from the beginning, and that the trend of '流行歌' was changed after the trend of Tokyo. Then, “New People”, which is suddenly becoming a new trend, is also a phenomenon that we have to re-examine and re-examine our old things according to the classical style of Tokyo. Therefore, from the New Year's end of the year, the prefecture will be predicted that the Ja-zhuang, which is now the center of fashion in Tokyo, will become popular. It is true that the company has been testing this method for a while, and this company is going to go from six to six years later.


In 1935, Lee Nan-young was ranked third in the female singer category in the popular record voting in <Samcheon-ri>. At the time, Wang Soo-bok and Sun Woo Il-sun were both parasitic singers. Lee Nan-young was not a parasitic origin, so he showed more emphasis on more modern music and more 'jazz' than the parasitic singers who were good at 'Minyo' and 'Shin Minyo'. Her marriage to Kim Hae-song, a composer, singer and performer of the same Okérecord Company (married on December 24, 1936, when Lee Nan-young was twenty-one years old) was not only a human rapport between the two. It may be due to the resonance between the jazz-style modern music pursued by Kim Hae-song and the musical orientation of Lee Nan-young.


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식민지 조선의 음반시장이 정점에 이르던1939년과1940년에 이난영은 당시 평균적 수준을 훌쩍 뛰어넘는 세 곡의 두드러지는‘재즈’ 스타일의 곡을 발표한다. 스윙재즈 스타일의<바다의 꿈>(1939)과 블루스가 가미된<다방의 푸른 꿈>(1939), 그리고 경쾌한 집시 스윙 스타일의<항구의 붉은 소매>(1940)로 노랫말은 모두 조명암이 썼고, 작곡은 각각 박시춘, 김해송, 손목인이 담당했다. 이난영은<바다의 꿈>과<항구의 붉은 소매>에서 의미 없는 음절로 선율을 흥얼거리는 일종의‘스캣(scat)’까지 선보이며 재즈 보컬리스트로서의 능력을 과시하는데, 두 곡 모두에서 스윙 반주에 맞추어 가는 리듬감이 탁월하며 고음역과 저음역을 오가며 음색을 조율하는 방식이<목포의 눈물>과 같은 여타의 유행가를 부를 때와는 색다른 모습을 보인다. 예컨대<바다의 꿈>에서 각 절 끝부분(1절 가사의‘시원스런 꿈이나 꾸자’ 부분)의 저음 처리는 확실히 숙련된 재즈 보컬리스트의 면모를 보여주며, 그녀가 이미 일반 공연 무대에서도 이러한 재즈 스타일의 곡을 익숙하게 부르고 있었음을 짐작하게 해준다.

특히 큰 인기를 얻었던<다방의 푸른 꿈>은 중일전쟁 기간 일본의 블루스 음악 유행의 영향을 받은 것으로 10이난영의 남편 김해송이 작곡했다.

내뿜는 담배연기 끝에/ 희미한 옛 추억이 풀린다./ 고요한 찻집에서/ 커피를 마시며/ 가만히 부른다. 그리운 옛날을/ 부르누나 부르누나./ 흘러간 꿈은 찾을 길 없어/ 연기를 따라 헤매는 이 마음/ 사랑은 가고 추억은 슬퍼/ 블루스에 나는 운다./ 내뿜는 담배연기 끝에/ 희미한 옛 추억이 풀린다. – <다방의 푸른 꿈> 1절 가사

<다방의 푸른 꿈>을 부르는 이난영에 대한 황문평의 다음과 같은 회고담은 다소간 과장되거나 윤색된 기억의 가능성을 감안한다 해도<목포의 눈물>을 부를 때와는 전혀 다른 그녀의 모습을 그려볼 수 있게 해준다.

일제말엽 부민관(현 세종문화회관 별관) 무대에서 이난영은 검은 터번 머리에 담배를 피워 물고 약간 코에 걸린 목소리로 아주 애수에 잠긴 노래를 불렀다. 곡목은<다방의 푸른 꿈>, 아마 올드팬은 지금도 기억에 남아 있을 것이다. “내뿜은 담배연기 끝에 희미한 옛추억이 보인다…” 이 노래는 이난영의 진짜 히트넘버였다. 11

식민지 조선의 모더니티를 분석한 한 논문에서 저자인 유선영은 식민지 조선의 대중들이 식민지적 현실에서 공적 영역을 상실한 대신 사적 영역의 과잉 현상을 겪고 있었다면서, 미국이19세기말부터 일찍이 조선인들에게 기독교와 병원, 학교 설립 등을 통해 긍정적인 문명화의 이미지를 전파했을 뿐만 아니라 대중문화가 형성되는 시기에는 할리우드 영화와 재즈 음악을 통해 근대적 신체의 자유와 자유연애 사상을 일깨웠음을 지적한다. 당시 제도나 법률의 영역에서 조선을 지배한 것은 일본이었을지 모르지만 사적 욕망과 관련된 문화적 영역에서 조선의 대중들을 지배한 것은 오히려 미국이었다는 것이다. 12

이난영의 사적 욕망 또한 할리우드 영화와 재즈 음악의 본고장인 미국과 결부된 것이었고, <목포의 눈물>을 부르는 그녀보다는<다방의 푸른 꿈>을 부르는 이난영이 그러한 욕망의 실현에 좀 더 가깝게 다가선 모습이었다고 해도 좋을 듯하다. 하지만, 일본의 지배를 받는 것이었건 미국의 지배를 받는 것이었건 이난영의 이러한 사적 욕망은 그 온전한 실현을 맛보기 어려운 것이었다. 그 욕망 자체가, 제국주의적 세계질서와 초국가적 문화산업의 취약한 변두리 소비시장에 지나지 않았던 식민지적 현실에서 중심지를 향한 동경과 함께 싹튼 것으로서 그 중심지의 세력 판도에 따라 쉽게 좌절되고 상실될 수밖에 없는 것이었기 때문이다.

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In 1939 and 1940, when the record market of the colonial Chosun peaked, Lee Nan-young released three prominent “jazz” styles that exceeded the average. The lyrics were all written by a light jazz style: The Dream of the Sea (1939) in the Swing Jazz style, The Blue Dream of the Cafe (1939) with the blues, and the Red Sleeve of the Port (1940) in the light gypsy swing style. The compositions were composed by Park Si-chun, Kim Hae-song and Wrist-in respectively. Lee Nan-young shows off his ability as a jazz vocalist by showing a sort of 'scat' that hums with meaningless syllables in <Sea Dream> and <Red Sleeve of the Port>. The rhythm is excellent, and the way of tuning the tone between the high and low ranges is different from that of other popular songs such as Mokpo's Tears. For example, the bass processing at the end of each section in the Dream of the Seas ('Let's Cool Dreams and Dreams' section of the verses) clearly shows the face of an experienced jazz vocalist, and she already has this jazz style on the stage. Let's assume that you were singing a song of familiarity.


The blue dream of the teahouse, which gained great popularity, was influenced by the Japanese blues music trend during the Sino-Japanese War.

At the end of the cigarette smoke / the faint old memories are released / in a quiet tea house / while drinking coffee / singing still. The old nostalgia / bouruna or nun./ I can't find a dream that flows / This heart wandering along the smoke / Love goes and memories are sad / I cry in the blues / At the end of the smoking cigarette / The faint old memories are released. – <Blue Dream of a Coffee Shop> Verse 1 Lyrics


Lee Nan-young, <The Blue Dream of a Coffee Shop (1939)>


Hwang Moon-pyeong's following story about Lee Nan-young, who sings Blue Dreams of a Coffee Shop, shows the appearance of her completely different from singing Mokpo's Tears, even considering the possibility of somewhat exaggerated or polished memories. Do it.

On the stage of Bumin Hall at the end of the Japanese colonial period (currently Sejong Center), Lee Nan-young smoked a black turban head and sang a very sorrowful song with a slightly nose voice. The song is <The Blue Dream of a Coffee Shop>, and perhaps an old fan will still be remembered. “I see faint old memories at the end of the smoke. This song was Lee's real hit number.


In a paper that analyzed the modernity of colonial Joseon, the author, Yu Sun-young, said that the masses of colonial Joseon suffered a surplus of private territory instead of losing the public sphere in colonial reality. Not only did he spread the image of positive civilization through the establishment of a school, but also point out that in the period when popular culture was formed, modern film freedom and free love thought were awakened through Hollywood movies and jazz music. Perhaps it was Japan that ruled Joseon in the area of ​​institutions and law at the time, but it was the United States that dominated the masses of Joseon in the cultural sphere related to private desires.


Lee's private desires were also associated with the United States, the home of Hollywood movies and jazz music, and Lee Nan-young, who sang Tea Blue Dreams, came closer to the realization of such desires than her singing Mokpo Tears. It may be good. However, whether under Japanese control or under US control, Lee's private desires made it difficult to enjoy its full realization. The desire itself was born with the longing for the center in the colonial reality, which was nothing but a vulnerable marginal consumer market of the imperialist world order and the transnational cultural industry, and was easily frustrated and lost according to the power of the center.


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Ⅳ. 이난영과 조선악극단

1930년대 식민지 조선의 주요 레코드사는 각각 전속 가수들뿐만 아니라 전속 악단을 거느리고 레코드 홍보를 겸하여 순회공연을 다녔다. 이난영이 전속계약을 맺고 있던 오케레코드사는 특히 이러한 순회공연에 많은 힘을 쏟아 전속가수들과 전속악단으로 구성된 공연단이 전국은 물론 만주일대까지 순회공연을 다녔다. 공연단의 일원으로서 이난영과 김해송 부부 역시 셀 수 없을 정도로 많은 공연 무대에 동반 출연했는데 재즈와 즉흥연주에 능했던 김해송의 라이브 무대에서의 활약이 두드러졌던 것으로 전해진다. 13

김해송은1937년 콜럼비아레코드사로 전속을 옮긴 뒤2년여의 공백 기간을 가졌지만1939년 가을에 오케레코드사로 복귀한 뒤 아내 이난영을 위한<다방의 푸른 꿈>을 작곡하는 등 레코드 녹음과 라이브 무대 활동 양면에서 다시 큰 활약을 보이게 된다. 김해송이 오케레코드사에 복귀하던1939년경 오케레코드 공연단 규모는 매우 커져서‘오케그랜드쇼단’이라는 공식명칭을 쓰고 있었다. 14오케그랜드쇼단 내에CMC 밴드, 오케싱잉팀, 아리랑보이즈(김해송 포함), 저고리시스터즈(이난영 포함) 등의 팀들이 있어서 때로는 독립적으로 활동했다.

오케그랜드쇼단은1939년3월에 일본 순회공연까지 성사시키는데, 이 과정에서‘조선악극단’이라는 이름을 쓰게 된다. 이 일본 순회공연은 일본의 유력 흥행업체 요시모토(吉本)와의 제휴를 통한 것이었는데 이때“요시모토 측에서는‘오케그랜드쇼’라는 이름보다 조선의 향토색을 표현할 수 있는 다른 이름을 쓰는 것이 흥행에 유리할 것이라 했고, 이에 따라 새롭게‘조선악극단’이라는 이름을 사용하게 되었다. 이름을 바꾼 덕인지는 몰라도 일본 공연은 대성공으로 마무리되었고, 이후 한동안 오케그랜드쇼와 조선악극단이라는 이름이 뒤섞여 함께 사용되기도 했지만, 결과적으로는 조선악극단으로 정착하게 되었다.” 15

조선악극단의 일본 공연에는 이난영도 참여했다. 일본 현지에서 조선악극단이 일본 영화<사려깊은 부인(思ひつき夫人)>에 특별출연하여 공연 장면의 일부가 기록되었는데, 공연장면은 대부분 한국 전통음악을 공연하는 것으로 되어 있다. 일본측 흥행업체에서 일본 순회공연을 앞둔 오케그랜드쇼단으로 하여금‘오케그랜드쇼’와 같은 영어식 명칭을 버리고‘조선악극단’이라는 한자 명칭을 새롭게 요구한 것이나 영화 속에 포착된 악극단의 공연이 재즈 등의 모던한 음악보다는 조선 전통의 색채가 드러나는 음악이라는 점은 마양카이의 분석대로 일본인들의 시각에서 “한국 전통음악은 정격의‘동양’ 문화이면서도 한국의 지역성과 비교할 때 현대화된 일본 문화의 우수성을 돋보이게 해주는 문화” 16일 수 있다는 점을 흥행의 관점에서 노린 것이라 할 수 있을 것이다. 17

1939년에 개봉한 일본 영화“사려깊은 부인思ひつき夫人”에서 조선악극단 공연 장면. C.M.C밴드를 지휘하는 작곡가 손목인을 비롯하여 김정구, 고복수 등이 노래하는 모습을 확인할 수 있는데, 밴드 연주자들을 제외한 무대 위의 단원들은 모두 한복 차림이며 신민요풍의 노래를 부르고 있다. 동영상 후반부 고복수가 장구를 치며 노래할 때 어깨 왼쪽으로 이난영이 보이며 오른편에 소고를 든 남인수도 보인다.

1941년 일본이 태평양전쟁에 돌입하고 총력전체제를 강화하면서 이난영을 비롯한 식민지조선의 음악인들은 전쟁 참여를 독려하는 조선총독부의 선전도구가 되는 것을 사실상 피할 수 없었다. 1941년<<신세대>>에 게재된 「황군위문 회고 좌담회」기사를 보면 일찌감치‘靑山哲’로 창씨개명을 한 오케레코드사 대표 이철을 비롯하여 이난영, 김해송, 김정구, 장세정 등 조선악극단의 주요 음악인들이 일본군 위문공연을 다녀온 소감을 밝히는 모습을 볼 수 있다. 18다음의 대화 부분에서 위문공연의 프로그램 윤곽과 이난영 등이 불렀던 군국가요를 확인할 수 있다.

기자: 대개 어떤 푸로그람으로 공연을 하시었던가요? 김상진: 동경에서 흥행했던 푸로그람을 그대로 했었습니다. 기 자: 동경서 한 푸로요? 김상진: 네 아리랑뽀이스와 저고리씨스터, 군가, 가요곡, 무용, 경음악 등이지요. 김해송: 대개는 경음악에서부터 시작하여 유쾌한 것을 많이 했고 또 그런 것을 좋아하는 것 같더군요. 때로는 향토적인 것도 했습니다. 기 자: 장세정씨는 무슨 노래를 많이 부르시었습니까? 장세정: <軍國의 어머니>를 불렀습니다. 김상진: 장은 東京, 名古屋, 小倉 등지에서 공연했을 때에도<軍國의 어머니>를 노래하여 대환영을 받았으니까요. 기 자: 이난영씨는 무슨 노래를 부르셨습니까? 이난영: 저요? <卿國의 어머니>를 많이 불렀어요.

태평양전쟁과 함께 일본은‘적국’으로 규정한 미국과 관련된 모든 대중문화를 검열하고 금지했다. 1941년 이후부터 해방이 될 때까지 이난영은 더 이상 재즈 스타일의 노래를 부를 수 없었고1942년에는‘小林玉順’이라는 일본식 이름으로 창씨개명했다. 19

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Ⅳ. Lee Nan-young and Chosun Orchestra


In the 1930s, major record companies in colonial Chosun participated in tours, not only with singers but also with orchestras. O'Record Co., Ltd., which had a contract with Lee Nan-young, put a lot of energy into this tour, and a group of singers and exclusive orchestras toured the whole country as well as Manchuria. As members of the troupe, Lee Nan-young and Kim Hae-song also appeared on countless performance stages. The performance of Kim Hae-song, who was good at jazz and improvisation, was outstanding.


Kim Hae-song moved to Columbia Records in 1937 and had a two-year gap, but after returning to Oke Records in the fall of 1939, he composed both the recording and live stage activities. Will be a big success again. Around 1939, when Kim Hae-song returned to Oke Records, the size of the Ore Records troupe grew so large that he used the official name of "Oke Grand Shodan." In the Oke Grand Shodan, there were teams of CMC bands, orchestrating teams, Arirang Boys (including Kim Hae-song), and Jogori Sisters (including Lee Na-young), who sometimes worked independently.


The Oke Grand Shodan even made a tour to Japan in March 1939, in the process of using the name "Korean Choreo". The tour was made in partnership with a leading Japanese entertainment company, Yoshimoto, who said, “In Yoshimoto, it would be better to use a different name to express the local color of Korea than the name of“ Oke Grand Show. ” As a result, the name 'Korean Choreok Company' was newly used. I don't know if it's because of the name change, but Japanese performances ended with great success, and after a while, the names of Oke Grand Show and Korean troupe troupe were mixed together, but eventually they became a Korean troupe. ”


Lee Nan-young participated in the Japanese performance of the Chosun Orchestra. In Japan, the Chosun Orchestra made a special appearance in the Japanese film, The Thoughtful Lady, and recorded part of the performance. Most of the scenes were performed with Korean traditional music. Japanese boxing companies demanded the Oke Grand Shodan to give up the English name such as 'Oke Grand Show' and re-named the Chinese character 'Korean Choreok Company', or the performance of the troupe captured in the film. It is music that reveals the color of Joseon tradition rather than modern music. According to the analysis of Mayangkai, the Japanese pointed out that “Korean traditional music is the rated 'Oriental' culture, but it shows the superiority of modernized Japanese culture in comparison with the locality of Korea. Culture ”can be said from the point of view of the box office.


The scene of the performance of the Korean Troupe in the Japanese film “Respectful Wife”, which was released in 1939. You can see Kim Jung-gu and Go Bok-soo, including the composer Wrist-in, who leads the C.M.C band, and all the members on the stage, except for the band performers, are wearing hanbok and singing a new song. In the latter part of the video, when Go-soo sings the janggu, Lee Nan-young is seen to the left of the shoulder and Nam In-soo holds the note to the right.


As Japan entered the Pacific War in 1941 and strengthened its total power system, musicians of colonial ships including Lee Na-young were virtually unavoidable to become propaganda tools of the Chosun Government-General. The 1941 Hwanggun Wimble Retrospective Talks, published in The New Generations in 1941, shows the major musicians of the Chosun Music Troupe such as Lee Cheol Lee, Lee Ok-young, Kim Hae-song, Kim Jung-gu and Jang Se-jung, as well as Lee Cheol Lee, CEO of Ocher Records. You can see how they expressed their feelings after the Japanese military exile. 18 In the following dialogue, you can see the outline of the program and the military state song called by Lee Nan-young.


Reporter: What kind of prologue did you usually perform?

Kim Sang-jin: I used to play the prologue that was popular in Tokyo.

Reporter: What a Tokyo wish?

Kim Sang-jin: Yes, Arirang Pois, Chogorister, Gunga, Song, Dance, and Instrumental Music.

Kim Hae-song: I usually started with light music and did a lot of pleasant things and I seem to like them. Sometimes it was local.

Reporter: What song did Jang Se-jung sing a lot?

Jang Se-jung: I sang <Mother of the Kingdom>.

Kim Sang-jin: When Jang performed in Tokyo, Nagoya, and Kochi, he was greeted by the song "Mother of the Kingdom".

Reporter: What song did Lee Nan Young sing?

Lee Nan-young: Me? I sang a lot of Mother of Song.


Along with the Pacific War, Japan censored and banned all popular culture related to the United States, which was defined as an "adversary." Since 1941, he was no longer able to sing jazz-style songs until his liberation.


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Ⅴ. 이난영과 김시스터즈

1945년8월 갑작스럽게 찾아온 해방은 김해송과 이난영 같은 대중음악인들에게는 분명히 큰 기쁨으로 다가왔을 것이다. 친일에 동참했다는 껄끄러움이 없지 않았을 테지만 사실상 불가피한 일이었다고 할 수 있었고, 일본과 긴밀히 연관을 맺고 있던 레코드산업의 인프라가 손실되면서 적지 않은 혼란을 느낄 수밖에 없었지만 그래도 검열 걱정 없이 자유로운 창작과 연주활동을 할 수 있으리라는 기대가 있었을 것이다. 오케레코드사와 조선악극단의 동료 작곡가였던 박시춘은 해방되던8월15일 밤에“공연을 무료로 공개해서 금지되었던‘미제 노래’ 재즈까지 연주하며 관객을 열광케 했다” 20고 한다.

김해송 역시 해방직후부터‘K.P.K악단’을 조직하여 활발하게 활동하기 시작하는데, 1944년 이철의 사망으로 사실상 해체된 것이나 다름없었던 조선악극단의 명맥을 사실상K.P.K악단이 이어가게 된다. 21남편 김해송의 활발한 활동에 보조를 맞추면서 이난영 또한 적극적인 연예 활동을 벌였는데, 동료가수였던 신카나리아의 다음과 같은 회고담을 들어보면 일제말 억압당했던 그녀의 미국 대중문화 소화능력이 미군정기부터 이미 빛을 발했던 듯하다.

공연일자는1945년10월18일로 기억한다. 나와 이난영, 장세정이 출연해서 합창도 하고 각각 솔로도 했는데 그때 벌써 이난영은 곡목을 기억할 수 없지만 영어로 미국 노래를 불렀다. […] 연합군 위문 공연을 출발점으로 해서 김해송 씨는 본격적인 쇼단을 구성해서 주한 미군을 위한 정기적인 위문 공연을 가졌다. 22

이난영은 새로운 것을 받아들이는 데에 적극적인 태도를 갖추고 있었을 뿐만 아니라, 김시스터즈의 멤버이기도 했던 딸 김숙자의 다음과 같은 증언을 보면, 당시의 여성들이 갖기 어려웠던 과감한 결단력과 무대에 대한 열정이 있었던 것으로 보인다.

아버지(*김해송)는 뮤지컬<로미오와 줄리엣>을 제작하고 있었고, 로미오 역을 맡을 배우를 찾고 있었어요. 하지만 로미오역에 적임자를 찾을 수가 없었어요. 그래서 어머니(*이난영)가 어떻게 했는 줄 아세요? 어머니는 아름다운 긴 머리를 갖고 있었는데 그걸 남자처럼 짧게 깎아버렸어요. 그리고는 로미오처럼 의상을 차려입은 뒤 아버지 사무실로 걸어 들어가 이렇게 말했어요. “여기 로미오가 왔습니다.” 나는 그녀가 밤낮없이 춤 연습 하던 걸 기억해요. 나중에는<칼멘>에서 돈 호세 역도 했지요. 또 남자 역을 한 거지요. 그들은 무대에 정말 헌신적이었어요. 23

K.P.K악단의 주요 멤버들. 왼쪽부터 장세정, 윤부길, 신카나리아, 김해송, 이난영, 이봉룡.

김해송이 이끄는K.P.K악단은19세기말과20세기초반 미국의 초기 뮤지컬과 흡사한 방식으로 공연을 시도했던 것 같다. 처음에는 버라이어티쇼와 레뷔 등 삽입 단막극이 주를 이루었지만, 점점 장편 뮤지컬 작품이 시도되는 일이 잦아졌다. 그가 직접 곡을 써 무대에 올린<칼멘> 같은 작품은 당대의 명사들이 관람을 할 정도로 대중 공연물로서의 작품성을 인정받았다. 24해방공간의 비교적 자유로운 분위기 속에서 이난영은 남편의K.P.K악단 무대를 통해10대 때부터 꿈꿔왔던 배우의 꿈을 이루어내는 듯했다.

하지만, 1950년에 발생한6•25전쟁은 폭격을 맞아 집터만 남은 이난영의 서울집이 상징하듯 모든 것을 한순간에 날려버렸다. 서울을 점령한 북한군에 의해 남편 김해송이 납치되어 북으로 가는 길에 죽게 되면서, 이난영은7남매를 거느린 가족의 생계를 도맡아야 하는 상황이 된 것이다. 김해송이 자진 월북했다는 식의 풍문 또한 이난영과 그녀의 가족을 괴롭히는 일이었다. 25

전쟁 후 선장을 잃은K.P.K악단을 이난영이 직접 운영했지만 실패를 거듭하게 되고 끝내 악단은 해체된다. 크고 작은 악극단들이 난립해서 경쟁을 벌이는 속에서1954년에‘이난영 악단’을 창립하여 재기를 꾀하지만 이조차도1년 남짓 유지되다가 해산되고 만다. 남편 김해송이 발휘했던 지도력을 그녀 혼자 힘으로 대신하는 것은 처음부터 불가능한 일이었다.

한국전쟁 이후 미국식 자본주의 문화가 본격 상륙하면서 한국 대중문화는 일제시기부터 싹을 틔웠던 미국화의 길을 급격하게 가속화했다. 특히 미군이 대거 남한 땅에 주둔하면서 이들을 위해 제공되는 유흥오락 문화가 꽃을 피웠는데, 특히 전국 곳곳에 있던 미군부대 부변의 여러 클럽들은 전쟁으로 폐허가 된 한국의 대중음악가들에게 돈을 벌 수 있는 기회의 장소였을 뿐만 아니라 미국음악이 한국 땅으로 유입되고 재생산되는 문화적 절충지이기도 했다.

이난영은 일찌감치 특유의 감각으로 이러한 상황변화를 읽어내고 있었다. 그녀는 다시 한 번 미국이라는 대중문화의 중심지를 향한 욕망을 키우지만, 이제30대 중반을 넘어40대를 향해 가는 자신이 더 이상 그러한 욕망의 주체가 될 수 없다는 사실을 인정해야 했다. 결국 이난영이 그녀의 딸들을 김시스터즈로 키워냈던 것은‘살아야 한다’는 절실한 요구 속에서 이루어진 일이기도 하면서 동시에 그녀 자신의 욕망의 대리인을 찾는 과정이기도 했다. 하지만, 그것은 어린 김시스터즈 자매들로서는 견디어내기 어려운 혹독한 시련이었을 것이다.

전쟁중이던1951년경 부산으로 피난온 이난영이 미군 위문공연을 다니던 때부터10대 초반의 어린 나이의 김시스터즈는 어머니의 조련을 받아 무대에 서기 시작했다. 이 시기에 이들 자매는 비포장 자갈밭을 음주운전으로 거칠게 달리는 트럭에 실려 추운 날씨에 꽁꽁 언 채로 천막 무대를 전전하는 등 사실상 아동착취에 가까운 연예활동을 하고 있었다. 26어린 김시스터즈의 이런 모습이 식민지 시기 일본에서 태양극단의 막간무대에 섰던 어린 이난영의 모습에서 얼마나 달라져 있었던 것일까?

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Ⅴ. Lee Nan Young and Kim Sisters


The sudden emancipation of August 1945 must have come with great joy for popular musicians such as Kim Hae Song and Lee Nan Young. It would not have been a shame to join the pro-work, but it was inevitable, and as the infrastructure of the record industry, which had been closely associated with Japan, was lost, I had no choice but to feel confusion. I would have expected it to be. Park Si-chun, a fellow composer of Okrecord and the Chosun Orchestra, said on the night of the 15th of August that he released the performance free of charge.


Kim Hae-Song also organized the K.P.K Orchestra immediately after liberation.The K.P.K Orchestra will take over from the Chosun Orchestra, which was virtually dismantled after the death of Lee Chul in 1944. 21 In keeping with his husband Kim Hae-song's active activities, Lee Nan-young also took an active part in the entertainment activities, and following the reminiscences of his fellow singer Shin Canaria: It seems to have taken off.


The date of performance is remembered as October 18, 1945. Me and Lee Nan-young and Jang Se-jeong appeared in the chorus and solo solo respectively. At that time, Lee Na-young couldn't remember the song, but he sang American songs in English. […] Starting from the Allied Consolation Performance, Kim Hae Song formed a full-scale Shodan to hold regular consolation performances for US troops in Korea.


Not only did Lee have a positive attitude to accepting new things, but his daughter Kim Sook-ja, who was also a member of Kim Sisters, showed the bold determination and passion for the stage that women at that time had not had.


My father (* Kim Hae Song) was producing a musical, Romeo and Juliet, and was looking for an actor to play Romeo. But I couldn't find the right person for Romeo. So do you know what my mother did? My mother had beautiful long hair and shaved it short like a man. Then he dressed up like Romeo and walked into his father's office. “Romeo is here.” I remember that she practiced dancing day and night. Later, he played Don Jose in Carmen. He also played a male role. They were really dedicated to the stage.



Major members of the K.P.K Orchestra. From left, Jang Se-jeong, Yoon Bo-gil, Shin Canaria, Kim Hae-song, Lee Nan-young, Lee Bong-ryong.


The K.P.K Orchestra, led by Kim Hae-Song, seemed to have performed in a way similar to the early musicals of the United States in the late 19th and early 20th centuries. At first, inserting short acts such as variety shows and levis were the mainstream, but more and more musical works were frequently attempted. His work, such as Carmen, which he wrote on the stage, was recognized for his work as a public performance so that celebrities of the time could see it. 24 In the relatively free atmosphere of the liberation space, Lee Nan-young seemed to fulfill the dream of an actor whom she had dreamed since her teens through her husband's K.P.K orchestra.


However, the Korean War, which broke out in 1950, bombed everything at once, as represented by Lee's house in Seoul. When North Korean army occupied Seoul, her husband Kim Hae-song was kidnapped and died on the way to North Korea, Lee Nan-young had to take over the livelihood of a family with seven siblings. The rumor that Kim Hae-song volunteered to North Korea also plagued Lee and her family.


Lee Nan-young directly operated the K.P.K orchestra, which had lost its captain after the war, but failed repeatedly. In 1954, in the midst of the rivalry of big and small opera troupes, the founding of the Lee Na-young Orchestra was re-established. It was impossible from the beginning to replace her leadership by Kim Hae-song with her own power.


As the American capitalist culture landed in full force after the Korean War, Korean popular culture accelerated the path of Americanization, which had sprouted since the Japanese colonial period. In particular, the entertainment culture provided for them grew with large numbers of US troops stationed in South Korea.In particular, many clubs in the US military units all over the country could make money for war-torn Korean pop musicians. Not only was it a place of opportunity, it was also a cultural compromise where American music flowed into and reproduced in Korean land.


Lee Nan-young was reading this situation change early with his own sense. She once again cultivated a desire for the center of popular culture in the United States, but now had to admit that she could no longer be the subject of such desires in her mid-30s and 40s. In the end, Lee Nan-young raised her daughters to Kim Sisters was a process of finding the agent of her own desires while fulfilling her urge to live. However, it would have been a hard trial for young Kim Sisters sisters.


Kim Sisters, a young teenager in his early teens, began to take the stage under his mother's training. At this time, the sisters were carrying on activities that were virtually exploiting children, such as unloading gravel fields in drunk trucks and running in tents in cold weather. 26 How did this image of young Kim Sisters differ from that of young Lee Nan-young, who stood on the interlude stage of the solar theater in colonial Japan?


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김시스터즈의 경우 오래지 않아 한국이라는 변두리 땅에 머물지 않고 미국이라는 대중음악의 중심지로 진출했다는 점에서 어머니 이난영과는 달랐다. 27하지만, 김시스터즈의 미국 연예생활이 쇼 비지니스적 측면에서는 성공적이었다 할 수 있지만 대중예술의 창조성이라는 측면에서는 큰 점수를 주기 힘든 것도 사실이다. 이난영의 주도면밀한 기획 아래 노래 실력만이 아니라 춤 실력과 다양한 악기연주 등의 실력 등을 갖추고 있었던 그들은 무대 위에서 보여줄 것이 많았고 미국의 청중들로 하여금‘동양에서 온 소녀들’에 대한 호기심과 이국적 취미를 충족시켜줄 수 있었다. 그들이 라스베가스에서 벌어들인 수입의 규모는 이전과 비할 수 없이 커졌지만, 주로 미국대중음악의 히트곡에 대한 커버송들과 함께‘동양적’이거나 이국적인 이미지를 뒤섞어가는 그들의 공연은 기본적인 성격상K.P.K악단과 함께 한국에서 미군들을 대상으로 하던 위문공연에서 크게 달라진 것이 아니었다.

대다수의 미국인들에게[*C.M.C.나K.P.K 악단의] 쇼들은 미국 문화의 지배력을 보증해주고 한국인들이 이를 열정적으로 흉내내려 하는 모습을 보면서 위안을 얻게 해주는 기본적인 오락거리를 제공해주었을 것이다. 하지만, 한국의 전통 문화가 미국문화와 동등한 가치를 갖는다고 여긴 이는 거의 없었을 것이다. 동아시아에 대한 선입견적 관념들을 연극적으로 적용했을 뿐만 아니라 공연에서 서양적 요소와 동양적 요소를 모두 포함시킨 것(서양식 이름들을 쓰고 미국의“스탠다드” 곡들을 연주하고 다른 아시아 국가들의 잘 알려진 노래들을 포함시킨 것)은 전통적인 한국문화의 가치를 강조하기 위한 욕망에서 비롯된 것이 아니라 서양 문화 모방과 동양적 성격 유지 사이에서 균형을 맞추고자 하는 욕망에서 비롯된 것이었다.

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Kim Sisters were different from his mother, Lee Na-young, because he did not stay in the outskirts of Korea for a long time and entered the center of pop music in the United States. However, while Kim Sisters's American entertainment life has been a success in terms of show business, it is also hard to give a big score in terms of creativity in popular art. Under Lee's careful planning, they had not only singing skills but also dance skills and various musical instruments. They had a lot to show on stage and made American audiences curious about exotic girls and their exotic hobby. Could satisfy. Their income in Las Vegas has grown unparalleled, but their performances, with their cover songs for the hits of American pop music, mixed with 'orient' or exotic images, are basically accompanied by the KPK orchestra. It wasn't much changed from the reconnaissance performances that were aimed at US troops in Korea.


For most Americans, [* C.M.C. Or K.P.K Orchestra] shows would have provided the basic entertainment that ensured the dominance of American culture and comforted as Koreans eagerly imitate it. However, few would have thought that Korean traditional culture had the same value as American culture. In addition to theatrical application of preconceived notions of East Asia, the inclusion of both Western and Oriental elements in performances (using western names, playing American “standard” songs, and including well-known songs from other Asian countries) It is not from the desire to emphasize the value of traditional Korean culture, but from the desire to balance Western culture imitation and maintaining an oriental character.


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Ⅵ. 나가며

이난영이 부른<목포의 눈물>과<항구의 붉은 소매> 등을 작곡한 손목인은 자신의 자서전에서 다음과 같이 말한다.

대중 가요계에 발을 들여 놓은 후 일본에서 작곡 생활을 할 때부터 줄곧 내 마음 속에 자리 잡고 있었던 생각은, 현대 대중음악의 본 고장인 미국의 팝 시장을 돌아보았으면 하는 것이었다. 프랭크 시내트러, 앤디 윌리엄스, 토니 베네트 등 젊은 시절 이들의 노래를 들을 때마다‘어쩌면 저렇게 잘 부를 수 있을까!?’라는 생각이 들었기 때문에‘무슨 수를 써서라도 미국에 가볼 기회를 만들어야지’라고 벼르고 있었다. 29

손목인은1968년 여름 파월장병 위문공연을 마치고 한국에 돌아온 뒤 마침내 자신의 오랜 꿈을 실현하기 위해 미국길에 오른다. 하지만, 미국에서 음악가로 성공해 보리라고 했던 그의 꿈은 쉽게 좌절됐다. 브로드웨이 거리의 악사들만 보고도 스스로“초라해지고 거인국에 온 난장이 같은 기분으로 주눅이 들었”던 그는 사실상 막노동꾼 신세로 전락했고, “유일한 위안은 일과 후 여기 저기 음악이 있는 거리를 찾아다니며 듣는 일이었고, 일요일이면 브로드웨이의 레코드사 녹음실에 가서 가수들의 녹음 현장을 지켜보는 것”이었다.

처음 가본 곳이 세계 굴지의 콜롬비아레코드사였다. 누런 피부의 동양인이 그것도 빵떡모자 하나를 달랑 뒤집어쓰고 간 초라한 모습에 레코드사 직원들은 의아한 눈초리로 쳐다보며 물었다. “무슨 일로 왔느냐?”. “나는 한국에서 온 작곡가인데 당신들의 음악을 보고 배우고 싶어왔다”며 통사정을 한 후에야 가까스로 녹음실로 들어갈 수 있었다. 그 곳의 가수들에게 내가 작곡한 곡을 주어 취입토록 시도해 보겠다는 내 나름대로의 계획은, 아니할 말로 명함도 내밀 수 없을 정도로 내 기를 팍 죽여 놓는 스케일이 큰 시설과 음악이었다. 30

손목인이 미국의 음악가들을 대상으로 느꼈던 열등감과 콤플렉스는 물론 타국생활의 고독감과 함께 한껏 과장되고 부풀려진 것으로 보이지만, 그러한 고독감 자체가 식민지 시기부터 가졌을 피식민지 예술가의 열패감에 기원을 둔 뿌리 깊은 감정이기도 했다. 식민지의 작곡가로서 커리어를 시작할 때부터 사실상 그는 자신이 작곡한 히트곡<타향살이>의 주인공처럼 음악적‘고향’으로부터 벗어나 있었다. 그 음악적 고향이‘조선’이건‘미국’이건 아니면‘일본’이건 그는 어느 곳으로도 되돌아갈 수 없었다.

이난영 역시 마찬가지다. 해방과6•25전쟁 후 본격화된 미국음악의 영향 아래 한국의 대중음악계는1950년대 후반에서1960년대로 돌입하면서부터 새로운 재편이 일어나기 시작했다. 미국음악의 영향을 발 빠르게 흡수한 음악(팝 계열 음악)이 새로운 주류를 차지하면서 기존의 음악은 비주류로 밀려난 것인데, 31이 과정에서 이난영은 손목인 등 식민지 시기의 음악동료들과 함께 후자로 분류되고 만다. 이난영의 음악적 자아는 그 속에서 또 한 번의 자기상실과 혼란을 겪었을 것이다. 이난영은 너무 일찍‘흘러간 옛노래’의 가수로 전락하게 된 것이다.

해방후 이난영은<목포의 눈물>이 표상하는 식민지 시기의 민족주의적 상실의 코드로 끊임없이 호명되었다. 그녀의 음악적 자아는 늘 그렇게 외부로부터 호명되고 재규정되어 왔으며, 거기에 순응할 수밖에 없었다. 물론, 그것은 대중의 인기를 먹고 사는 대중음악인의 숙명 가운데 일부이기도 하다. 하지만, 일제 식민지 시기에서 시작하여6•25와 냉전 이데올로기의 시대를 거치는 동안 중심과 변두리의 문화정치적 권력 관계 속에서 이난영은 그러한 숙명을 자기파괴적으로 끌어안을 수밖에 없었다.

이난영의 인생이 불행과 슬픔으로만 점철된 것은 물론 아니다. 또한 그러한 불행과 슬픔은 상당 부분 그녀 자신이 책임져야 할 내밀한 개인사적 문제일 것이다. 하지만, 나는 이난영이 대표하는 식민지 시대의 유행가(나아가 해방후 이난영과 동시대의 한국 대중음악)가 징후적으로 드러내는 지속화된 열등감과 자기상실을 도외시한 채 한국 초기 대중음악사를 논하는 것은 절반의 진실을 숨기는 일이라고 생각한다.

그것은 한국음악사에 대한 자기 폄훼가 아니라 오히려 생산적 독해로 가는 길이기도 하다. 그‘식민적 우울’을 직시함으로써만 비서구 음악으로서 초기 한국 대중음악이 갖는 역설적 잠재력, 곧‘한국적 블루스’의 탈식민적 함의를 냉정하게 읽어낼 수 있을 것이기 때문이다. 이난영의 경우 그것은 또한 그녀가 불렀던 전통 민요들과<목포의 눈물>, 그리고<다방의 푸른 꿈> 사이의 단절들을 세심하게 이어냄으로써 그녀의 분열된 정체성을 하나로 되살려 내는 일이기도 하다.

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Ⅵ. Going out


In his autobiography, Wristin, composed by Lee Nan-young's Tears of Mokpo and Red Sleeve of the Port, says:


The idea that has been in my mind since I started writing music in Japan after entering the pop music industry was to look back on the American pop market, the home of contemporary pop music. Whenever I listened to young singers like Frank Sintra, Andy Williams, and Tony Bennett, I thought, 'How can I sing so well?' there was.


After returning to Korea after performing Powell's military exile in the summer of 1968, Khon-in finally made his way to America to realize his long dream. However, his dream of becoming a musician in the United States was easily frustrated. Seeing the musicians on the Broadway streets, he himself was “washed up and dwarfed in the giant nation,” and he was virtually a labourer. “The only comfort is listening to the streets with music here and there after work. "On Sunday, I went to Broadway's recording studio to watch the singers' recordings."


The first place I visited was the world's leading Colombian record company. The staff of the record company looked at him with a suspicious look, as the Asians with yellow skin wore a bread top hat. "What are you doing here?". “I'm a composer from Korea and I wanted to see and learn your music,” and I managed to enter the recording room. My plan to give the singers the song I wrote was to try and blow it was a large-scale facility and music that would kill me so badly that I couldn't even put out a business card.


The inferiority and complexes that Wristin felt for American musicians, as well as the loneliness of foreign life, seemed to be exaggerated and exaggerated. From the beginning of his career as a colonial composer, he was virtually free from his musical "hometown" as the main character of his hit song <House of Sayangsi>. Whether his musical hometown was Chosun, the United States, or Japan, he could not go back to anywhere.


The same applies to Lee Nan-young. Under the influence of American music in earnest after the liberation and the Korean War, the Korean pop music industry began to reorganize from the late 1950s to the 1960s. Existing music has been pushed out of the mainstream as music (pop type music), which quickly absorbed the influence of American music, has been pushed out of the mainstream. Lee's musical self would have suffered another loss and confusion in it. Lee Nan-young became a singer of the “Spilled Old Song” too early.


After liberation, Lee Young-young was constantly called as the code of nationalist loss during the colonial period represented by Mokpo Tears. Her musical self has always been so called and redefined from the outside, and he had to adapt to it. Of course, it is also part of the fate of pop musicians who live on the popularity of the masses. However, during the Japanese colonial period and through the period of June 25 and the Cold War ideology, Lee Nan-young had no choice but to accept such fate self-destructively in cultural and political power relations between the center and the suburbs.


Lee's life is not only marked by misery and sadness. Such misfortunes and sorrows are, in large part, her own private matters to be accountable for herself. However, I am discussing half the truth of early Korean pop music history, ignoring the sustained inferiority and self-loss that symptomatically manifested by Lee Nan-young's popular colonialist. I think it is hiding.

It is not a self-injury to Korean music history, but rather a productive reading. Only by facing the "colonial melancholy" will non-Western music be able to read the paradoxical potential of early Korean pop music, the postcolonial implications of "Korean blues." In Lee's case, it is also a revival of her divided identity as a careful connection between the traditional folk songs she sang, Mokpo's Tears, and Blue Tea Dreams.


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일본에서 블루스는 1937년 중일전쟁기에 아와야 노리코(淡谷のり子)의 <이별의 부루스(別れのブルース)>(1937)가 크게 히트를 치면서 유행하게 된다. 당시 사교댄스 양식의 일종으로 받아들여진 이러한 ‘일본식 블루스’는 미국 본토에서 1920년대부터 유행한 블루스와는 양식적 유사점을 찾기 쉽지 않다. 이런 ‘일본식 블루스’가 일본에서 잇달아 성공하면서 식민지 조선에도 흘러오게 되는데, 박향림이 1938년에 노리코의 <비의 부루스>를 번안한 <열정의 부르스>를 발표한 것을 시작으로 이듬해에는 창작곡 <희망의 부르스>를 발표했다. 이 시기에 여러 레코드사에서 일본식 블루스곡을 담은 음반을 경쟁적으로 발매했는데, 같은 시기에 발표된 <다방의 푸른 꿈> 역시 이러한 블루스 붐을 의식한 곡으로 보인다. 하지만, <다방의 푸른 꿈>은 당시의 일본식 블루스의 전형성에서 상당 부분 벗어나 좀 더 재즈적인 맛이 풍기며 블루노트 사용이 두드러지는 등 일본식 블루스보다 더 미국식 블루스에 접근하는 모습을 보여준다. 일본식 블루스의 성립과 식민지 조선으로의 유입 과정에 대한 좀 더 자세한 사항은 다음 논문의 5장을 참조할 것. 최유준, 「블루스와 슬픈 음악의 정치학」, <<음악학>>22호, 2012.

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In Japan, the blues became popular during the 1937 Sino-Japanese War, when Awaya Noriko's ``Breath of Parting'' (1937) became a big hit. Accepted as a form of social dance at the time, these “Japanese style blues” are not easy to find a style similarity to the blues popular in the 1920s in the US mainland. This succession of Japanese blues flows into the colonial Joseon, with success in Japan.Park Hyang-rim released the Enthusiasm Burs, which wrote Noriko's Burus of Rain, in 1938. Bruce>. During this period, various record companies competitively released records containing Japanese blues songs, and the Blue Dream of Teahouse, released at the same time, seems to be aware of the blues boom. However, The Blue Dreams of Coffee Shops show a closer approach to American blues than Japanese blues, with much more jazz taste and the use of blue notes. See Chapter 5 of the following paper for more details on the establishment of the Japanese blues and the process of influx into the colonial shipbuilding. Choi Yoo-joon, 『Politics of Blues and Sad Music』, <Musicology>, 22, 2012.


Hwang Moon-pyeong, 『Lee Young-young is the essence of the blues in Korea,』, <Hyanghyang Newspaper>, October 22, 1980

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Wikipedia: Yi Nan-yong began her career as a singer at a movie theater during the first wave of "yuhaengga." She attained fame through various hits including "Mok'po ui nunmul" and duets with "Emperor" Nam In-su. In 1936, she achieved success in Japan under the stage name "Oka Ranko." By the 1940s, she was participating in the Japanese war effort and was a part of the K.P.L Akdan (K.P.K Musical group), which performed for US troops. Yi later trained her children as musicians and formed the Kim Sisters, a Korean born American singing trio who successfully crossed over into the American market in the 1950s and 1960s.

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http://www.nongaek.com/news/articleView.html?idxno=59232

목포노래로 담아낸 한과 저항-이난영이동순 한국대중음악힐링센터 대표

이동순 한국대중음악힐링센터 대표 | 승인 2019.08.14 11:34

[논객칼럼=이동순] 숲을 거닐 때 새소리가 들리지 않는다면 그 숲은 얼마나 쓸쓸할까요? 인간 세상에서 숲의 새소리에 해당하는 것은 바로 가수가 부르는 절절한 노래가 아닐까 합니다. 새소리가 있어서 숲이 더욱 아름다운 것처럼 가수들의 좋은 노래가 있어서 세상살이의 고달픔은 한결 반감되고 위로를 느끼게 되는지도 모릅니다. 나라의 주권을 일본에게 강탈당하고 갖은 유린을 겪던 시절, 입이 있어도 제대로 말하지 못하고 눈이 있어도 볼 것을 제대로 보지 못하던 때에 이난영이 불렀던 노래 한 곡은 우리 강토를 깊은 슬픔과 격동 속에 잠기도록 하였습니다.

대체 깊은 슬픔이란 무엇일까요? 다만 슬픔의 늪 속에 빠져서 헤어나지 못하는 것은 깊은 슬픔이 아닙니다. 슬픔을 불러오게 한 근원을 찾아내어 그것을 파헤치고, 모순과 부조리에 대한 올바른 분별과 깨달음을 불러일으키게 하는 힘을 깊은 슬픔은 가졌습니다. 식민지 시대 가요계에는 슬픔에 잠긴 우리 겨레의 가슴을 쓰다듬고 위로해주던 많은 가수들이 있었으나 이난영 만큼 생기롭고 발랄하며 상큼하면서도 깊은 슬픔을 느끼게 해주었던 가수는 그리 흔하지 않았습니다.

가수 이난영으로 하여금 깊은 슬픔의 성음을 자아낼 수 있도록 해준 원동력은 무엇이었을까요? 그것은 거의 모진 핍박에 가까운 고난과 역경이 바로 그 힘이었을 것입니다. 인생의 그 어떤 신산한 지경에 허덕일지라도 이난영은 결코 무릎을 꿇거나 비굴하지 않는 자세로 그 고난의 시간을 이겨내었습니다. 지금 우리에게 당장 필요한 것은 바로 이러한 지혜와 자세가 아닌가 합니다.

이난영의 대표곡이 수록된 LP음반 Ⓒ이동순

1916년 전남 목포에서 태어난 이난영은 어릴 때 이름이 옥순(玉順)입니다. 항상 병을 앓고 있던 아버지, 지독한 가난 속에서 가족 모두는 고달픈 삶을 이어갔습니다. 지금 사진으로 남아있는 목포시 양동 이난영의 옛집 전경을 보면 너무도 작고 남루하기 짝이 없습니다.(지금 이곳은 이난영 소공원으로 조성되어 있습니다) 목포공립여자보통학교에 다니던 옥순은 학교도 가다말다 하던 중 4학년 재학시절에 기어이 퇴학원서를 나카무라 교장에게 제출하게 됩니다. 삼촌댁에서 더부살이 아이로, 혹은 어머니와 함께 제주도의 일본인 가정에 들어가서 아이보개와 식모살이로, 혹은 떠돌이 유랑극단에서 무명의 막간가수로… 이것이 목포의 가련한 소녀 이옥순이 겪었던 눈물의 시간이었습니다.

목포시 양동에 있었던 이난영의 옛집 Ⓒ이동순

이난영의 목포공립여자보통학교 4학년 퇴학원서 Ⓒ이동순

1930년대 초반 박승희가 운영하던 이동극단 태양극장의 이름 없는 막간가수로 일본공연에 참가하게 됩니다. 이 무렵 단장 박승희가 옥순의 예명을 이난영이라 지어주었습니다. 하지만 일본에서의 활동도 고달픈 역경의 한 과정일 뿐입니다. 밥도 굶고 생활비도 떨어져 거의 죽음의 문턱까지 다다랐을 때 이난영은 마침내 오케레코드라는 멋진 활동무대와 만나게 됩니다. 일본 방문 중이던 이철 사장과의 운명적 만남이 그녀를 기다리고 있었던 것이지요.

1933년은 이난영의 나이 17세로 새로운 인생이 펼쳐지던 화려한 무대의 시간이었습니다. 첫 데뷔곡 '불사조(不死鳥)'(김능인 작사, 문호월 작곡, 오케 1587), ‘고적(孤寂)'(김능인 작사, 문호월 작곡, 1587) 등을 필두로 '지나간 옛 꿈'(김파영 작사, 김기방 작곡, 태평 8068), '향수'(김능인 작사, 염석정 작곡, 오케 1580) 등을 잇달아 발표하게 됩니다.

능라적삼 옷깃을 여미고 여미면서 구슬 같은 눈물방울 소매를 적실 때 장부의 철석간장이 녹고 또 녹아도 한양 가는 청노새 발걸음이 바쁘다

때는 흘러 풍상은 몇 번이나 바뀌어도 일편단심 푸른 한이 천추에 끝이 없어 백골은 진토 되어 넋은 사라졌건만 죽지 않는 새가되어 뼈아프게 울음 우네

이내 몸이 왔을 때는 그대 몸은 무덤 속 적막강산 뻐꾹새도 무정함을 호소하니 영화도 소용없고 부귀는 무엇하나 황성낙일 옛터에 낙화조차 나리네

-'불사조' 전문

이난영의 데뷔곡 '불사조' 가사지 Ⓒ이동순

‘불사조’ 노래는 고전 춘향전의 내용을 바탕으로 옥중에 갇혀 고생하는 춘향이의 애달픈 심정을 나타낸 처연한 노래입니다. 전 조선의 가요팬들은 애교를 머금고 때로는 대목대목 앓는 듯한 느낌의 독특한 코맹맹이 창법에 흠뻑 빠져들었습니다. 가슴 속에 켜켜이 쌓여 전혀 녹을 기색조차 없던 슬픔과 한이 이난영의 노래를 듣는 순간 스르르 녹아내려 눈시울을 흥건히 적시곤 했던 것입니다. 이난영의 두 번째 히트곡으로는 '봄맞이'(윤석중 작시, 문호월 작곡, 오케 1618)를 손꼽을 수 있습니다. 모진 겨울에서 슬금슬금 풀려나는 이른 봄, 이 노래의 구성진 가락을 듣노라면 가슴 속 차디찬 빙하가 녹아내리는 기적을 경험하곤 했었습니다. 여기저기서 들리느니 온통 이난영의 노래요, 그 창법과 음색의 흉내였습니다.

얼음이 풀려서 물 우에 흐르니 흐르는 물 우에 겨울이 간다 어허야하 어어야 어허으리 노를 저어라 음 봄맞이 가자

냇가에 수양버들 실실이 늘어져 흐르는 물 우에 봄 편지 쓴다 어허야하 어어야 어허으리 돛을 감어라 음 봄맞이 가자

제비 한 쌍이 물차고 날아와 어서 가보란다 님 계신 곳에 어허야하 어어야 어허으리 노를 저어라 음 봄맞이 가자

-'봄맞이' 전문

아동문학가 윤석중이 작사한 이 노래는 이난영 특유의 애조를 타고 한반도 전역에 구성지게 울려 퍼졌습니다. 아름다운 봄날, 이 노래의 가락과 가사는 어찌 그리도 처연하고 구슬픈 느낌이 들던 지요.

이난영의 노래에 가사를 많이 제공했던 작사가로는 조명암, 박영호, 이규희. 남풍월, 김능인, 윤석중, 차몽암, 박팔양, 신불출, 양우정, 강해인 등입니다. 주로 시인들이 많은 작품을 주었습니다. 작곡가로는 문호월, 염석정, 홍난파, 이면상, 손목인, 박시춘, 김해송, 이봉룡 등 당대 최고의 대가급이었습니다. 이난영 노래의 특색이라면 밝고 생기로운 느낌이 드는 청년기 세대들의 생기롭고 발랄한 삶에서 테마를 선택한 작품들이 많았고, 이난영이 이를 잘 소화시켰습니다. 그 때문에 경쾌하고 깜찍하며 산뜻한 정서가 듬뿍 느껴지는 작품들이 많았습니다. 김해송과 함께 만든 작품 중에는 재즈 스타일의 노래들도 많았습니다. 더불어 이난영의 노래에서 많은 비중을 차지하고 있는 것은 신민요풍의 곡입니다. '오대강 타령' '이어도' '녹슬은 거문고' 등이 이에 해당합니다. 작사가 김능인과 작곡가 문호월 콤비에다 이난영의 창법이 조화를 이루면 더할 나위없는 멋진 트리오를 이루었던 것입니다.

드디어 이난영의 생애에서 최고의 해가 찾아왔습니다. 1935년, 그녀의 나이 19세 되던 해에 한국가요사에서 불후의 명작으로 일컬어지는 '목포의 눈물'(문일석 작사, 손목인 작곡)이 오케레코드사에서 발표되었습니다. 이 음반은 무려 5만장이나 팔려나가는 엄청난 반향을 불러일으켰습니다. 이 노래 한 곡으로 이난영은 단번에 가요계의 여왕 자리에 올랐습니다. 한 곡의 유행가는 식민지 땅을 온통 흐느낌으로 잠기게 하였고, 항구도시 목포를 애틋한 추억의 장소로 되살아나게 했습니다.

사공의 뱃노래 가물거리며 삼학도 파도 깊이 스며드는데 부두의 새악씨 아롱 젖은 옷자락 이별의 눈물이냐 목포의 설움

삼백년 원한품은 노적봉 밑에 임 자취 완연하다 애달픈 정조 유달산 바람도 영산강을 안으니 임 그려 우는 마음 목포의 노래

깊은 밤 조각달은 흘러가는데 어찌타 옛 상처가 새로워진가 못 오는 임이면 이 마음도 보낼 것을 항구에 맺은 절개 목포의 사랑

-'목포의 눈물' 전문

1935년에 발매된 '목포의눈물' 음반 라벨 Ⓒ이동순

'목포의눈물' 가사지 Ⓒ이동순

마치 꽁꽁 앓는 듯한 이난영 특유의 콧소리에다 흐느끼는 듯 잔잔하게 애간장을 토막토막 끊어내는 느낌의 창법이 고스란히 살아있는 노래였습니다. 모두들 입을 모아 이난영의 창법에는 남도 판소리 가락의 오묘한 효과가 그대로 배어난다며 무릎을 쳤습니다. 가슴에 깊은 슬픔이 자리 잡고 떠나지 않는 독자들이 계시다면 이 노래를 혼자 나직이 흥얼거려 보십시오. 그런 다음에 어떤 반응이 내부에서 일어나고 있는지 가만히 지켜보시기를 권하는 바입니다. 사실 이 노래는 가사에도 반영되어 있듯 일제에 대한 한과 저항의 혼이 표현된 민족의 노래였습니다.

이 노래는 오케레코드사에서 조선일보와 더불어 제1회 향토노래 현상모집(조선 10대도시 찬가모집) 기획으로 가사를 공모했었는데, 여기에 목포에 거주하고 있던 청년시인 문일석(본명 윤재희)이 응모하여 최고상을 받은 작품입니다. 당시 10대 도시란 경성, 평양, 개성, 부산, 대구, 목포, 군산, 원산, 함흥, 청진 등입니다. 이를 살펴보면 북한지역과 남한지역이 각각 반반으로 나뉘어져 잇습니다. ‘목포의 눈물’의 첫 제목은 ‘목포의 사랑’입니다. 이철 사장은 처음 울산 출생으로 이미 ‘타향살이’ 등을 히트시켰던 오케 대표가수 고복수가 부르도록 낙점해두었으나 손목인의 이의제기로 이난영이 취입할 수 있었습니다. 손목인은 가사에 나오는 지역의 정서를 가장 잘 체득하고 있는 가수에게 그 노래를 부르도록 해야 최고의 가창효과를 기대할 수 있다는 주장이었지요.

오케레코드와 조선일보가 공동주최한 조선 10대 도시찬가 모집 광고 Ⓒ이동순

일본에서 이난영을 발탁해 온 오케레코드사 이철 사장 Ⓒ이동순

노래 ‘목포의 눈물’을 유심히 들어보노라면 독특한 효과가 가슴 속으로 전해져 옵니다. 울음인가 하면 그 울음을 기어이 뛰어넘는 어떤 결연한 끈기가 느껴지고, 하소연인가 하면 그 하소연을 성큼 뛰어넘는 우뚝한 걸음걸이가 실감이 됩니다. 노래 속에 눅진하게 배어나오는 남도 특유의 육자배기, 진도씻김굿 등의 음악적 파장이 가슴을 파고듭니다. 그리하여 절창이자 민족의 가요가 된 ‘목포의 눈물’은 식민지에서 분단으로 이어지는 한국근대사의 고단한 세월과 맞물리면서 한국인의 정서 밑바닥에 다부지게 자리 잡게 된 무형문화유산으로 영원한 생명력을 얻게 되었습니다.

‘목포의 눈물’ 한 곡으로 최고의 여가수로 등극한 이난영은 이제 화려한 위상으로 자리를 잡았을 뿐만 아니라 일본 데이지쿠레코드사에는 그녀를 일본으로 정식 초청하여 순회공연을 하고, 또 일본 음반을 취입하도록 이끌었습니다. 당시 일본에서 발매된 이난영의 음반에서는 이름을 오카란코(岡蘭子)로 썼습니다. 일본인 작사가 시마다(島田)가 한국의 민요 ‘아리랑’을 새롭게 다듬고, 작곡가 스키다(杉田)가 편곡을 해서 취입을 했는데, 이난영은 당시 한국의 민요만 여러 곡 취입을 했습니다.

일본 데이지쿠레코드에서 발매된 이난영의 노래 '아리랑' Ⓒ이동순

대중잡지 ‘삼천리’가 주최했던 레코드가수 인기투표에서 이난영은 왕수복, 선우일선 등 기생출신 가수 다음으로 3위의 자리에 올랐습니다. 4위는 전옥, 5위는 김복희였습니다.

비록 천신만고 끝에 인기가수가 되었지만 이난영에게 시련과 역경은 끝이 아니었습니다. 작곡가 겸 가수로 오케레코드사 악극단이 전국순회공연을 다니던 시절, 이난영은 불세출의 대중음악인 김해송과 사랑에 빠지게 됩니다. 결혼도 하기 전 임신한 사실을 알게 된 이철 사장은 서둘러 결혼식을 올리도록 주선해줍니다. 성탄절 이브에 경성의 유명했던 요릿집 식도원(食道園)에서 이기세(李基世)의 주례로 두 사람은 혼례식을 올립니다. 그날 식장에는 오케레코드사 전속악단이 결혼행진곡과 흥겨운 재즈음악을 연주했고, 신랑 김해송이 노래를 독창으로 불렀으며 무척 흥겨운 분위기로 예식과 피로연을 마쳤다고 합니다. 부부가 모두 대중음악인이라 엄청 바쁜 공연스케줄이 있었을 터인데도 그것을 모두 소화해가며 무려 12남매의 자녀들을 출산했습니다. 모두가 부러워하는 부부로 항시 세인들의 관심에 오르내렸습니다. 하지만 행복한 시절은 봄눈처럼 너무도 짧기만 했습니다.

이난영 김해송 부부의 결혼을 알리는 신문기사 Ⓒ이동순

단란하던 시절의 이난영 김해송 부부 Ⓒ이동순

행복하던 시절의 김해송과 자녀들 Ⓒ이동순

1937년에는 오빠 이봉룡과 함께 ‘고향은 부른다’(박영호 작사, 김송규 작곡)를 오누이 합창으로 불러서 음반을 발매하기도 했습니다. 이 음반은 그들이 떠난 고향 목포를 생각하며 추억을 되새기는 작품인데, 이봉룡의 매부 김해송이 곡을 붙여서 더욱 이채로운 작품이라 하겠습니다. 이난영은 고향 목포를 추억하는 노래를 여러 곡 발표했는데, ‘목포는 항구’, ‘해조곡’ 등이 그것입니다. 1938년에는 오케레코드사를 대표하는 가수 이난영을 위해 ‘이난영걸작집’ 음반을 발매하기도 했는데, 이 앨범에는 그녀의 대표곡 ‘알아달라우요’, ‘아 글쎄 어쩌면’ 등 여러 곡이 연극배우의 해설과 더불어 흥미롭게 엮어져 있습니다.

이난영과 오빠 이봉룡 Ⓒ이동순

일제말로 치달아가던 1941 이난영은 오케레코드사 대중음악인들로 구성된 조선악극단 대표멤버로 일본순회공연에 참가해서 동포들의 뜨거운 환호와 반응을 불러일으켰습니다. 특히 오케 소속 여성 전속가수로 구성된 ‘저고리시스터즈’의 대표멤버로 이난영의 활동은 매우 두드러졌습니다.

조선 악극단 시절의 '저고리시스터즈 Ⓒ이동순

조선악극단 광고 책자 표지에 실린 이난영 Ⓒ이동순

1945년 8월, 해방이 되자 남편 김해송은 발 빠르게 악극단을 조직했고, 그 명칭은 K.P.K.였습니다. 그것은 연주자 백은선을 비롯한 조직 멤버들의 이니셜 알파벳을 따서 지은 즉흥적이고도 무의미한 이름입니다. 김해송이 워낙 재즈, 블루스 등 미국음악에 능숙했던 터라 당시 한반도에 진주한 미군들을 위한 위문공연에 자발적으로 참여해서 뜨거운 반응을 얻게 되었습니다. 하지만 이것이 이후 김해송의 납북으로 이어지는 비극의 빌미가 될 줄 누가 알았으리오. 악극단이 무수히 난립해서 운영되던 시절, K.P.K.악단은 당시 최고의 멤버들로 조직되어 대단한 인기를 얻었습니다. 전국순회공연 중 한번은 춘천에서 머물던 무렵인데, 이난영이 밤 깊은 소양강 가에 신발과 유서를 남겨놓고 투신자살을 시도하는 놀라운 일이 벌어졌고, 이것이 신문에 보도되기도 했습니다. 그 유서에는 남편 김해송에 대한 원망으로 가득 차 있었습니다. 김해송의 여성편력이 문제가 되어 부부간에는 자주 분쟁이 있었는데 결국 이런 사태로까지 발전된 것입니다.

하지만 두 사람은 1947년 조국의 분단을 크게 염려하고 통합을 갈망하는 노래 ‘흘러온 남매’, ‘남남북녀’ 등을 발표할 정도로 정분이 깊고 사랑은 지극했던 것으로 보입니다.

이 아비는 너희들이 한없이 그리워도 가로 막힌 운명선이 천추의 한이로구나 삼천리강산에 삼팔이란 웬 말이냐 목을 놓고 울어봐도 시원치 않다

너희들은 남쪽에서 끝까지 참아다오 이 아비는 북쪽에서 힘차게 싸우겠다 다 같은 혈족이요 우리나라 민족이다 붉은 피 한 방울을 아낄손가

-‘흘러온 남매’ 부분

1947년에 발매된 노래 '흘러온남매' 라벨 Ⓒ이동순

해방 직후 KPK악단에서 지휘하는 김해송 Ⓒ이동순

1950년 6·25전쟁의 세찬 풍파는 이 사연 많은 부부의 거리를 영원한 분단과 이별로 갈라놓고 말았습니다. 전쟁 발발 직후 김해송은 남쪽으로 피난을 내려가지 못하고 서울에 숨어 있었는데, 결국 체포되어 인민군보안대로 잡혀갔고, 서대문형무소에 투옥되었습니다. 해방 직후 미군을 위한 위문공연을 했다며 이를 밀고한 사람은 다름 아닌 K.P.K. 소속의 직속후배였습니다. 그 후배는 평소 좌파사상을 가졌는데, 전쟁직후 이를 바로 고발해서 선배가 잡혀가도록 했던 것입니다. 남편을 만나기 위해 이난영은 남장(男裝)을 하고, 얼굴엔 숯검정을 칠해 서대문형무소 주변을 수없이 빙빙 돌았다고 합니다. 그러한 노력도 수포로 돌아가고 김해송은 다른 숱한 반공포로들과 함께 한 많은 ‘단장의 미아리고개’를 넘어서 북으로 끌려갔습니다.

일설에는 동두천 부근에서 폭격으로 사망했다고 전해지기도 하지만 북한 측 자료에는 결핵이 발병하여 원산의 요양원에서 1950년대 중반에 사망했던 것으로 알려지기도 합니다. 1920년대 미국의 재즈음악을 받아들여 즉시 자기 것으로 소화시키며 대중음악 작곡에 적극적으로 반영하고 수용했던 천재적이고 전설적인 대중음악인 김해송의 삶은 이렇게 마감이 됩니다. 제자 손석우가 스승의 음악적 명맥을 유일하게 이어나갔던 것으로 보입니다. K.P.K.악단에서의 부부의 활동은 전쟁이 발발했던 1950년 4월 초순까지도 적극적으로 펼쳐지고 있었습니다. 서울 시공관에서 9일 동안 절찬리에 펼쳐진 양춘대공연 오페레타 ‘로미오와 줄리엣’에는 영화배우 복혜숙을 비롯한 여러 유명배우와 대중예술인들이 총출연하는 큰 공연이었습니다. 이 공연은 전2부 14경(景)으로 구성된 꽤 중량감 있는 무대작품이었습니다.

1950년 4월에 공연된 KPK악단 공연광고 Ⓒ이동순

남편이 납북을 당한 뒤 이난영은 K.P.K.악극단 운영을 자신이 계속 꾸려가기로 했습니다. 명칭도 ‘이난영악단’으로 바꾸고 혁신대공연을 무대 위에 올렸으나 뚜렷한 반응을 얻지 못한 채 이후 한 해를 채 넘기지 못하고 파산에 이르게 됩니다. 연약한 여성의 몸으로 이끌어간다는 일이 결코 쉬운 것이 아니었을 것입니다. 이 무렵 이난영은 음악에 재능을 타고난 자녀에게 종아리를 때려가며 노래를 가르쳤습니다. 자신의 두 딸과 오빠인 작곡가 이봉룡의 딸 하나를 엮어서 김 시스터즈를 발족시켰습니다. 아버지를 빼어 닮아서 악기연주와 가창에 능한 세 아들도 이런 과정으로 가르쳐 김 보이스로 발족시켜 모두 미국으로 진출시켰습니다. 특히 김 시스터즈는 미국생활에 잘 적응하며 활동의 터전을 마련하고 음반을 취입하며 인기를 얻었습니다. 하지만 서울에 홀로 남은 어머니 이난영은 늘 고독했습니다. 하루빨리 미국으로 와달라는 자녀들의 성화에 못 이겨 태평양을 건너간 어머니는 잠시 자녀들의 뒷바라지를 해주며, 때로는 1960년대 미국의 유명한 대중음악 무대인 설리번 쇼에 김 시스터즈와 함께 출연하기도 했습니다. 그러나 이난영에게 미국생활은 전혀 맞지 않았던 것 같습니다.

미국에서 발표된 김시스터즈의 독집앨범 Ⓒ이동순

자녀들이 그렇게 만류했건만 어머니는 기어이 서울로 돌아와 회현동 옛집에서 혼자 살아갑니다. 신 카나리아가 운영하는 명동 카나리아다방에 가면 가요계의 옛 동료들을 늘 만날 수가 있었는데, 그것이 그녀의 유일한 즐거움이었습니다. 1957년 선배가수 고복수가 드디어 무대를 떠나는 고별공연을 서울 시공관에서 개최하게 되었을 때 가요계 동료 후배들 100여명은 우정출연으로 무대 위에 올라서 원로가수와의 작별을 서러워했습니다. ‘펜이여 안녕! 무대여 안녕! ’이란 캐치프레이즈를 내걸고 열린 이날 공연에서 이난영은 역시 자신의 대표곡 ‘목포의 눈물’ 1, 3절을 불렀습니다. 바이올린으로 연주하는 슬픈 간주곡의 여운이 관객들의 애간장을 더욱 애달픈 분위기로 이끌고 갔습니다. 이난영은 노래 1절을 부르고 간주가 이어진 다음 2절을 부르는데, ‘어찌타 옛 상처가 새로워진다/ 못 오실 님이면 이 마음도 보낼 것을’이란 대목에서 기어이 가슴 속 저 밑바닥에 켜켜이 쌓였던 한과 슬픔과 서러움이 한꺼번에 쏟아져 나와서 울음 절반, 흐느낌 절반으로 노래를 불렀습니다. 그간 겪었던 삶의 파란곡절과 가파른 운명에 대한 애달픔 따위가 일시에 혼합이 되어서 자연스럽게 조성된 창법으로 이루어졌을 것입니다. 마무리 대목에서는 그날의 주인공 고복수가 함께 이난영 옆으로 와서 합창으로 도와주어 겨우 아슬아슬하게 노래를 마칠 수가 있었지요. 방송국에 실황녹음 테이프로 남아있는 그날의 노래를 듣노라면 그 누구라도 함께 북받치는 심정으로 눈시울이 촉촉이 젖어들게 됩니다.

이난영은 자신의 대표곡 ‘목포의 눈물’을 아마도 수천 번 이상 무대에서 불렀을 터이나 울먹이며 부르는 그날의 노래가 단연 최고의 절창으로 기록이 되었을 것입니다.

고복수 은퇴기념공연 Ⓒ이동순

수심에 찬 얼굴로 '목포의눈물'을 부르는 이난영 Ⓒ이동순

고독과 적막 속에서 이난영의 삶은 점점 더 황폐해져만 갔습니다. 술과 담배, 때로는 아편을 맞기도 했지만 전혀 도움이 되지 못했습니다. 재기의 몸부림을 쳤지만 곧 고통과 절망의 수렁으로 빠져들고 말았습니다. 1961년 이난영은 무대 위에서 역시 ‘목포의 눈물’을 부르게 되었는데 가수가 1절을 부르고 난 뒤 뒤로 물러서면 측근에 대기하고 있던 성우가 마이크 앞으로 다가가 상품 광고 멘트를 넣었습니다. 지금도 남아있는 어느 테이프 속에는 동산유지라는 회사에서 만든 가루비누 ‘원더풀’ 선전광고가 들어있는 우스꽝스런 무대분위기와 대면하게 됩니다. 말하자면 간주곡 대신 CM광고를 넣는, 그것도 성우가 직접 출연해서 광고문구를 삽입하는 방식으로 무대공연이 진행되었던 것입니다. 이것은 한국의 근대광고사에서도 흥미로운 기록물이 아닐 수 없습니다.

'원더풀 원더풀 무엇이 그렇게 원더풀일까요?

다름 아닌 동산유지의 가루비누 코피 원더풀이 바로 원더풀입니다.'

이 광고 문구를 직접 발성으로 내보내고 난 뒤 성우가 뒤로 빠지면 다시 가수 이난영이 마이크 앞으로 천천히 다가가 노래의 나머지 소절을 이어가는 것입니다. 이 무렵 결핵으로 투병하던 가수 남인수를 만나 측은한 마음에서 병수발을 이따금 들어주곤 하다가 두 사람은 급격히 가까워지게 됩니다. 기어이 동거생활까지 하면서 두 사람은 마치 불나비 같은 사랑을 활활 태우게 됩니다. 이 시기에 남아있는 사진을 보면 파자마를 입은 남인수에게 차를 끓여서 이난영이 정성스럽게 바치는, 단란하고도 극진한 장면을 볼 수 있습니다. 이 무렵 부산에서 열린 공개방송에 두 사람이 함께 출연한 적이 있는데, 이때 가족사항을 묻는 아나운서의 짓궂은 질문에 남인수는 양쪽 합쳐서 모두 몇 남매라고 웃으며 태연하게 대답합니다.

동거시절의 이난영과 남인수 Ⓒ이동순

결핵 3기를 훨씬 넘긴 남인수는 이난영의 무릎을 베고 마지막 가쁜 숨을 몰아쉬었습니다. 임종 무렵의 남인수는 애인 이난영에게 노래를 불러달라고 했습니다. 이난영은 흐느껴 울면서 ‘애수의 소야곡’을 불렀고, 그녀의 두 눈에서 떨어지는 뜨거운 눈물은 생명이 꺼져가는 남인수의 이마와 얼굴로 방울방울 떨어졌을 것입니다. 참으로 기막힌 이별 장면이 아닐 수 없습니다. 짧았지만 한껏 정이 들었던 애인을 먼저 떠나보내고 이난영은 또 다시 깊은 슬픔의 나락으로 빠져들게 됩니다. 심한 우울증으로 고생을 하던 이난영은 1965년, 결국 49세의 나이로 빈 방안에서 혼자 쓸쓸하게 최후를 맞습니다. 자살로 삶을 마감했다는 처연한 소식이 전해지기도 했습니다. 비통하게 세상을 떠나긴 했지만 이난영의 장례식은 마치 국장을 연상케 하듯 많은 인파가 몰려 들어서 가수의 죽음을 슬퍼했습니다. 1969년, 이난영이 세상을 떠난 4년 뒤에 목포 유달산 자락에는 이난영노래비가 세워졌습니다. 이 노래는 아난영 노래를 너무도 사랑하는 한 독지가의 노력으로 건립되었다고 하니 갸륵한 일입니다.

영화로 제작된 '목포의눈물' 포스터 Ⓒ이동순

경기도 파주의 어느 산중턱 공동묘지에 아무도 돌보는 이 없이 묻혀 있던 이난영의 무덤은 찾는 이도, 벌초하는 사람도 없이 잡초로 더부룩 우거져 있었습니다. 세월이 흘러 지방자치제가 실시된 이후 목포시에서는 자기지역이 배출한 한국문화사의 걸출한 위인 이난영의 위상을 다시금 떠올리게 되었습니다. 무덤이 방치되어 있다는 사실을 알게 된 목포시와 가요팬들은 마침내 파주 공동묘지에서 고향 목포로 이장할 계획을 세우고 이를 실행에 옮겼습니다. 드디어 지난 2006년 어느 따뜻한 날, 이난영은 목포 삼학도 자락, 그녀의 어린 시절에 뛰놀던 고향 언덕으로 되돌아왔습니다. 비록 세상을 한참 떠난 뒤이긴 하지만 감격적 귀향이 아닐 수 없었습니다. 구름처럼 고향을 떠난 지 몇 해만입니까? 수목장(樹木葬)으로 조성된 그녀의 무덤은 이난영공원이란 이름을 달고, 편안하게 삼학도 앞바다를 내려다보고 있습니다. 이제 가수 이난영의 영혼은 삼학도와 유달산 자락의 정겨운 바람결로 항시 자리 잡고 있을 것입니다. 그 바람결은 지금도 남도의 거리거리에서 '목포의 눈물'을 도란도란 부르고 다닙니다.

목포 유달산 자락에 건립된 노래비 Ⓒ이동순

목포 삼학도 언덕에 조성된 이난영의 수목장 무덤 Ⓒ이동순

2016년 봄, 옛가요사랑모임 유정천리(회장 이동순)에서는 이난영 탄생 100주년을 기념하는 특별사업으로 ‘이난영전집’(CD 10매 분량)을 발간했습니다. 이 전집에는 국내외 음반수집가들이 소장하고 있는 이난영의 모든 음반을 수집 정리한 음원이 담겨져 있습니다. 이 뜻 깊은 사업과 더불어 목포가 배출한 위대한 가수를 추억하는 전시회, 감상회 등 다양한 행사들을 서울과 전국의 여러 지역에서 펼쳐 가요팬들의 뜨거운 호응과 박수를 받았습니다. 우리가 이난영의 노래를 지금도 아끼고 사랑을 느끼면서 부르는 까닭은 고달팠던 지난 세월의 내력을 떠올리며 오늘의 우리 삶을 겸손하게 되새기고 평정을 회복하려는 내적 갈망 때문일 것입니다.

옛가요사랑모임 '유정천리'가 발간한 '이난영전집'(CD10매) Ⓒ이동순

목포 유달산에서 이난영을 추억하는 작곡가 손목인 Ⓒ이동순. 이동순

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Translated with help of Google Translate:

Korean and Resistance via the Mokpo Song-Lee Nan-young

by Lee Dong-soon, Representative of Korea Popular Music Healing Center | 2019-09-08


If you would not hear the birds while walking in the forest, how lonely the forest would be? In the human world, what corresponds to the sound of forest birds is probably the song of the singer. Just as through the birds the forest becomes more beautiful, there are good songs by singers, with which the hunger of the world may be halved and one might become comforted. In the days when we were robbed of Japan's sovereignty and suffered devastation, one song that Lee sang sang when we couldn't speak properly and openly or see with our eyes made us immerse our soil in deep sorrow and turbulence.


What is this deep sorrow? It is not just deep sorrow, it is like falling into a swamp of sorrow and not being to break it. Deep sorrow had the power to find the source that caused sorrow, to dig it out, and to provoke proper discernment and enlightenment of contradictions and absurdities. While there were many singers in the colonial music scene who patted and comforted the heart of our sorrow, the singers who made them feel as lively, youthful, fresh and deep as sad as Lee Nan-young were not so common to find.

What was the driving force for the singer, Lee Nan-young, to be able to produce such a deep sorrow voice? It would have been the hardship and adversity that was nearly persecuted. No matter how frustrating life is, Lee Nan-young overcame the time of suffering by never kneeling or just digging. What we need at such moment is this kind of wisdom and attitude.


Being born in Mokpo, Jeonnam, in 1916, Lee Nan-young was named Oksun when she was young. Her father, who was always sick, and in a terrible poverty, the whole family continued its hardship. Looking at the view of Lee Nam-young's old house in Mokpo-si, which is now just a photo, it is too small and unpretentious. (Now it's a small park in Yinan-young.) Oksoon was attending Mokpo Public Girls' Normal School. During his time, she received an expulsion form from the Principal Nakamura. Is it for having a father-in-law at an uncle's house, or being with a mother in a Japanese family on Jeju Island, or just a child or maid, or an unknown interlude singer at a wandering troupe. These situations rooted times or the kind of tears as they were also experienced by Mokpo's poor girl Lee Ok-soon.


Lee Nan-young's old house in Yang-dong, Mokpo-si


In the early 1930s, Park participated in a Japanese performance as an unnamed interlude singer of the mobile theater Sun Theater operated by Seung-hee Park. At this time, General Manager Park Seung-hee suggested the change of name from Ok Soon to Lee Nan-young. Activities in Japan were a process of hardship. When she was starving for food and her living costs fell to near the threshold of death, Lee finally met an amazing stage called O'Record after a fateful meeting with President Lee Chul when he was visiting her in Japan.


In 1933, at the age of 17, Lee received a new stage of life. This resulted in her first debut song `Phoenix'' (composed by Kim Ing-in, composed by Moonho-wol, Okke 1587), and ``old book'' (composed by Kim Neung-in, composed by Munho-wol, 1587). Successive songs, were composed by Kim Ki-bang, Taepyung 8068). And then 'Perfume' (composed by Kim Neung-in, Yeomseokjeong, Ok 1580).



'Phoenix'


While wearing the Nungla red ginseng collar,

with the beaded teardrop sleeves wet.

It is as if the iron ink in a book is melting.

He's is too busy walking in Hanyang

The flowing stream changes numerous times

There's no end to just one spot of blue.

The white bones survive, but the soul is already gone.

It became the bird that never died, crying painfully

When your body came forward, it was already buried.

Even The Red Rim River Cuckoo appeals for its heartlessness.

Its sight is useless, for what is of truly riches to see

is like the ruins of the yellow planet.

Lyrics of Lee Nan-young's debut song 'Phoenix' (OKEH 1587 - B)

(-adapted according to logic but still based upon the Google translation-)


The song ‘Phoenix 'is based on the contents of the classic Chun-hyang-jeon. Former Korean pop singers were fascinated by the unique methods of blinding, sometimes as if they had too much to bare in large amount. It is about sorrow which had accumulated this in the hearts and had no sign of showing it, which, while listening to Lee's song one used it to give the eyes a go.


Lee's second hit song is 'Spring' (written by Yoon Suk Joong, composed by Moon Ho Wol, Okeh 1618). In the early spring of the winter, when I listened to this song, I used to experience the miracle of melting the cold glacier innerly. It was experienced through Lee Nan-young's song.


Spring.


Is the ice breaking and flowing through water?

Winter is passing under the flowing of water

Uh uh haha

Paddle, let's go towards spring

Weeping willows on the stream

The word of Spring is written on the flowing water.

Uh uh haha

The Wind is sailing, let's go towards spring.

A pair of swallows fly away

Go to where you are

Uh uh haha

Paddle, let's go towards spring

The song, written by the children's literature writer Yoon Seok-joong, resonated in the whole Korean peninsula with Lee Nam-young's unique interpretation. On a beautiful spring day, the rhythm and lyrics of this song seemed so crude and pensive.


Lyricis such as those of Yeongam, Park Youngho and Lee Kyu-hee provided a lot of inspirations to Lee's song. Others were Nampoongwol, Kim Neungin, Yun Sukjung, Chamongam, Park Palyang, Sinbulchul, Yang Woojeong, Kanghaein. It were mostly poets that provided inspirations. The composers were Mun Ho-wol, Yeom Seok-jeong, Hong Nan-pa, Lee Sang-sang, Wrist Inn, Park Si-chun, Kim Hae-song, and Lee Bong-ryong. Lee Nam-young's songs featured a lot of works that were chosen themes from the lively and youthful life of the youth generation who had bright and lively feelings. As a result, there were many works that felt cheerful, cute, and fresh. Many of his works with Kim Hae Song were in jazz-style. In addition, a lot of weight in the songs of Lee Nan-young are songs of the new folk song style, like 'Odae River Taryeong', 'Even' and 'rust is a lyre'. The lyrics for them were written by Kim Neung-in and composer Mun Ho-wol, which through the creation of Lee Nan-young made a wonderful trio of artistry.


Finally, the best year had come in Lee's life. In 1935, when she was 19 years old, "The tears of Mokpo" (written by Moon Il Seok, composed by ??), became known as an immortal masterpiece in Korean song history, presented at Ocher Records. This album had a tremendous sail of 50,000 copies. With this song, Lee Nan-young once became the queen of the music scene. One song threw the colonial land with sobbing and revived the port city of Mokpo as a fond place.


'Mokpo tears'

(??)'s singing song

(??) deeply felt into the waves

(??) bird (??) of the pier

Tears of farewell or Mokpo's worries

300 year old wanted goods

(??) deeply sad mood

The Yudalsan wind embraces the Yeongsan River

Im drawn to cry theheart song of mokpo

Deep night images are flowing

How is the old wound today?

If I can't come to you, I will send this heart

That's Mokpo's Love in the Harbor

(partial translation with help of Google Translate)

Mokpo tears album was released in 1935


The song came alive with the interpretation of Lee Nan-young's appearance. Everyone spoke about it with trembling knees, claiming that the mysterious effects of (the Korean) Namdo pansori rhythms could be found here in an intact way. If you have deep sorrow in your heart that never leaves you, humming this song alone could express this. at such moment I invite you to watch what reaction is happening inside you. In fact, as reflected in the lyrics, the song was a song of a nation expressing the spirit of Han and the resistance to Japanese imperialism.


The song was submitted by the Okeh Record Company with the Chosun Ilbo as being a part of the first local song phenomena (with the Physical Recruitment of bringing it to 10 Cities in Chosun), submitted by Moon Il-seok (real name Yoon Jae-hee), a young poet living in Mokpo. The work was received well. The ten largest cities at that time were Gyeongseong, Pyongyang, Gaesong, Busan, Daegu, Mokpo, Gunsan, Wonsan, Hamheung and Chongjin. Looking at it, the North and South Koreas are divided in half. The first title of 'Tokpo Tears' was 'Mokpo's Love.' President Lee Chul had been chosing the name of the singer, Okeh singer Ko Bong-soo, who had already a hit with “Hyanghyang-yi” for he was born in Ulsan. But the local journalists (?) claimed that the singer who is best acquainted with the local emotions in the lyrics should actually sing the song to expect the best singing effect.


If you listen carefully to the song “Tears of Mokpo,” a unique effect will be delivered to your heart. If you cry, you will feel some determined persistence that the inner tempo will jump up to a next level, and if you let this to happen, you will feel the strong stepping beyond it. Musical waves such as provided by Namdo's unique yukjabaegi (?) and jindo (?) are strongly outed into the song. Thus, Mokpo's tears, which are both about prosperity and a song of the nation, have been given eternal life as intangible cultural heritages that have been settled at the bottom of Korean sentiments, coupled with the hard times of Korean modern history from colonial times to the times of division.


Lee Nan-young, who became the best female singer with the song “Tears of Mokpo,” was not only settled in a splendid position, but was also invited for it to Japan's Daisy Kurec Co., where she toured and produced Japanese records. Lee Nan-young's album, which was released in Japan at the time, wrote her name as Okaranko. The Japanese lyricist Shimada polished the Korean folk song Arirang, and the composer Sukida arranged it and interpreted it.


Lee Nan-young's song "Arirang'' was released by Daisy Kurec Records in Japan. In the popular voting record hosted by the popular magazine Samchully, Lee Nan-young was ranked third after lowlife (?) singers such like Wang Soo-bok and Sun Woo Il-sun. 4th was Jeon-ok and 5th was Kim Bok-hee.


Although she became a popular singer at the end of the Ten Thousand Years, trials and adversity were not over for Lee. As a composer and singer, Okeh Records' troupe performed a national tour, where Lee Nan-young falls in love with Kim Hae-song, a popular pop music songwriter. Lee finds out that she is pregnant before she even gets married and arranges for a wedding. On Christmas Eve, the two of them celebrate a wedding ceremony at Iggye, a famous restaurant in Gyeonggi-do. On that day, the Okérecord's exclusive orchestra performed a march and an entertaining jazz music, and the bridegroom Kim Hae-song sang a solo song and finished the ceremony and reception in a very entertaining atmosphere. Since the couples were all pop musicians, there might have been a busy schedule of performances. As an enviable couple, they have always been on the rise. But happy days were just too short, like spring snow.


In 1937, she and his brother Lee Bong-ryong sang ‘Hometown Calls’ (composed by Park Young-ho, composed by Kim Song-kyu) as the Onui Chorus and released the album. This album is a work that reflects on the memories of their hometown of Mokpo, and they are more eclectic by attaching Lee Bong-ryong's maestro Kim Hae-song. Lee Nan-young has released several songs to remember her hometown Mokpo, including Mokpo as a port and Haejogok. In 1938, he released the album 'Inan Young Girl's album' for singer Lee Nan-young, a representative of Ocher Records. With interesting critics.


In 1941, Lee Nan-young, who was touring towards the far end of Japan, was a representative member of the Korean Orchestra, composers of popular musicians of Okeh Records. In particular, Lee Nan-young had various activities as a representative member of “Jogori Sisters,” a female singer group of Okeh, were very prominent.


Jeogori Sisters Ⓒ Lee Dong-soon during the Chosun Drama Company


After the liberation in August 1945, her husband Kim Hae-song quickly organized a troupe, called K.P.K. It is an improvised and meaningless name, named after the initial alphabet of the performer, Baek Eun-sun and other members of the organization. Since Kim Hae-song was so proficient in American music such as jazz and blues, he voluntarily participated in consolation performances for American soldiers in the Korean Peninsula. But who knew that this would later be a tragedy leading to Kim Hae-song's abduction. In the days when the troupes were innumerable, the K.P.K. orchestra was very popular, organized by the best members of the time. On one of the national tours in Chuncheon, an odd thing happened when Lee Nan-young tried to commit suicide leaving his shoes and will on the street of Soyang River at night. It was filled with resentment for her husband, Kim Hae Song. Kim Hae-song's women's tendency had become a problem, and there were frequent disputes between the couples, which eventually developed into this situation. However, the two seemed to be so deep in love to announce their song "Flowing Brothers and sisters," "North and South Koreans," etc., where both were concerned about the division of their country in 1947 and expressed their longing for integration.


Flowing siblings


This father never misses you

The obstructive fate of the dead is a sacred one.

What is Sampal on the mountain?

It's not so cool to cry over my neck

You endure the south to the end.

This father will fight hard in the north.

They are all of the same blood

Try to save a drop of red blood

....


Song Dong-soon, released by 1947



Immediately after liberation Kim Hae-song started to conduct the KPK Orchestra. The fierce winds of the Korean War in 1950 separated the streets of many couples from eternal division. Immediately after the outbreak of the war, Gimhaesong was hiding in Seoul, unable to evacuate to the south, but was eventually arrested and taken to the People's Army Security Guard and imprisoned at Seodaemun Prison.


Also after the liberation, K.P.K. received a junior to continue the band (translation??). He had a left-wing ideology, which he usually was accused of right after the war which could take him into custody. (translation??)


In order to meet her husband, Lee Nan-young dressed herself as a man and painted a charcoal black on his face. That effort was in vain, because Kim Hae-song was taken to the north beyond many of the director's Mia Rigoga, along with many other anti-communist prisoners. Some say he was killed in a bombing near Dongducheon, but North Korea's data suggest that he died in the mid-1950s at a Wonsan's nursing home. The life of Kim Hae-song, a genius and legendary popular music that accepted American jazz music in the 1920s, immediately digested it in his own way, and it actively reflected and accepted it in the composition of popular music. It seems that the disciple Son Seok-woo was the only one who continued the master's music. The couple's activities at the K.P.K. Band were active until the beginning of April 1950, when the war broke out. The Yangchun University performance operetta ``Romeo and Juliet ', which was held in Seoul for nine days, was a big performance featuring many actresses and popular artists including actor Bok Hye-sook. This performance was a pretty heavy stage work consisting of 14 scenes from the second part.


After her husband was abducted, Lee Nan-young decided to continue to run the K.P.K. The name was changed to “Inan Young Orchestra” with an innovative grand performance on stage. Leading such an orchestra by a fragile woman would never have been easy. At this time, Lee Nan-young taught her singing to her gifted childs. Kim Sisters were launched by putting together two daughters and a daughter of her brother-in-law Lee Bong-ryong. Three sons who were also similar to their fathers and were good at playing musical instruments and singing were also taught this process, starting with Kim Boys for expanding or exporting this into the United States. In particular, Kim Sisters was well accustomed to American life, laid the groundwork for their activities, acquired music, and gained popularity. But the mother, Lee Nan-young, was left alone in Seoul, and was always lonely. When she crossed the Pacific Ocean after failing to conquer the children's torch towards the United States as soon as possible, it gave her a little help and she sometimes appeared with the Kim Sisters on the Sullivan show, a popular American music scene in the 1960s. However, it seems that Lee's life was not right at all.


Even though the children were restrained to their lives, the mother returns to Seoul and further lives alone in the old house of Hoehyeon-dong. If you go to the Myeong-dong Canary Cafe, which is run by the new Canary, she could always meet the old friends of the music industry, which was her only pleasure. When the senior singer Go Bok-soo finally left the stage in 1957 at the Seoul Hall, about 100 fellow juniors of the pop music group were saddled with the elder singer by their friendship. 'Hi Pen! Hello stage! During the performance with the catchphrase, Lee Nan-young also sang Mokpo's Tears 1 and 3, the representative song. The sadness of the sad festivities played on the violin led the audience to a more sad mood. Lee Nan-young sings the first verse of song and then the second verse after the deliberation. It poured out all at once and sang half the crying and half the sobbing. The blue curvature of life and the sorrow of steep destiny have been come together at a time and made it by a naturally created method. At the end of the event, the hero of the day, Go Bok-soo, came to the side of Lee Nan-young and helped her with the chorus. If you listen to the song of the day that is left on the broadcast station on the live recording tape, your eyes will be moistened with feelings that everyone is supporting her together.


Lee Nan-young may have sang Mokpo's tears on stage more than a thousand times, but the song of that day, crying and crying, was definitely the best song interpretation ever.


In solitude and silence, Lee's life became more and more desolate. Alcohol, tobacco, and sometimes opium did not help at all. She struggled to recover, but soon fell into the boister of pain and despair. In 1961, Lee Nan-young once more sang Mokpo's Tears on stage. When the singer sang it once more and stopped, the voice actor, who was waiting for him, approached the microphone and added a comment. On one of the remaining tapes, you'll be faced with a ridiculous stage atmosphere that contains a powder soap “Wonderful” propaganda advertisement made by Dongsan Yuji. In other words, instead of considering music to be most important, CM commercials with voice actors appeared in the way that the stage was inserted by advertisements. This still is an interesting recording even in Korean modern advertising agencies.

"Wonderful Wonderful What is so wonderful?

It is nothing more than a powdered soap nosebleed wonder pool."


When the voice actor fell backward after directing this advertising phrase, singer Lee Nan-young slowly approaches the microphone and continued the rest of the song. At this time, she met singer Nam In-soo who was suffering from tuberculosis. As they started to live together, the two of them were living like a love butterfly. The photographs left at this time show a cheerful and dramatic scene of Lee Nam-young's elaborate devotion made by boiling tea to Nam In-soo in pajamas. At this time, two people appeared together in a public broadcast in Busan. At this point, Nam-in-soo responds to the announcer's nasty question about family matters with a smile.


Nam In-soo, who had gone far beyond tuberculosis 3, took his last breath after taking Lee's knee. At the end of his death, Nam In-soo asked his lover Lee Nan-young to sing. Lee Nan-young weeped and sang ``...Gokgo'' and the hot tears falling from her eyes would have fallen on her forehead and face. It's an amazing parting scene. A short but devoted lover was sent away again, and Lee Nan-young falls into deep deep sadness again. Lee Nan-young, who suffered from severe depression, finally died alone in an empty room in 1965, at the age of 49. It was also reported that he had ended his life by suicide. Even though he passed away in a bitter way, Lee's funeral mourned the death of the singer as a crowd gathered as if reminiscent of the director. In 1969, four years after Lee's death, Lee Nan-young's song was set up (and sang) at the foot of Yudalsan Mokpo. It was made with the efforts of a soloist who loves Anna Young Song so much.


Lee's tomb, buried without anyone taking care of it on a hillside cemetery in Paju, Gyeonggi-do, was full of weeds without anyone looking for or weeding. Over the years, since the local autonomy system was implemented, Mokpo City reminded me of Lee Na-young's outstanding status as Korean cultural history. Mokpo City and Gayo fans finally realized that the tomb was left unattended and planned to move it from their Paju cemetery to their hometown Mokpo. Finally, on a warm day in 2006, Lee returned to Mokpo Samhakdo, a hill where she played with her childhood. Although it was a long time since I left the world, it was an emotional return. How many years have you left your home like clouds? Her tomb, built as a grove, is named Lee Nan-young Park and overlooks the sea off Samhakdo. The soul of singer Lee Na-young will always be settled by the friendly wind of Samhak and Yudalsan. The wind still calls 'Tear of Mokpo' as Doando in the streets of Namdo.


In the spring of 2016, Yoo Jeong Cheon-ri (Chairman Lee Dong-soon) published the Lee Nan Young Collection (10 CDs) as a special project to commemorate Lee's 100th birthday. This collection contains all the music collections collected by Lee and Young who are collected by domestic and foreign record collectors. In addition to this meaningful project, various events such as exhibitions and appreciation events to remember the great singers produced by Mokpo were held in Seoul and various parts of the country. The reason why we sing Lee Nam-young's song even now with love and feeling is probably because of our internal desire to remember our past years of history and to humble our lives and restore our composure.


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최초의 걸그룹, 저고리시스터즈 리더 아세요?

이난영 100년 완결 무대, 29일 밤 한국문화의집에서 개최 2016.06.28

인기기사 더보기 '목포의 눈물'로 유명한 한국 대중음악계 불멸의 가수 이난영. 1916년 6월 6일에 태어난(이러한 호적 기재와 달리 10월 22일생이라는 기록도 있다) 그의 탄생 100년을 기념하기 위해 여러 행사가 지난 5월 말부터 다양하게 진행되어 왔는데, 이제 그 완결판이라 할 수 있는 공연이 6월 29일 수요일 밤 8시에 서울 삼성역 부근 한국문화의집에서 열린다.

옛가요사랑모임 유정천리 멤버들이 주축이 되어 펼치는 이번 공연에서는 이난영 100년의 의미를 되새겨 볼 수 있는 흥미로운 이야기와 노래들이 다양한 방식으로 무대에 오를 예정이다. 또한 이 자리에서는 유정천리에서 1년 전부터 제작을 준비해 온 '이난영 전집' 음반이 처음으로 일반에게 공개된다.

민요와 재즈를 아우른 이난영 음악의 스펙트럼

이른바 '트로트'의 전형을 확립한 역사적 작품으로 평가되는 1935년 '목포의 눈물'이 일반적으로 기억되는 이난영의 대표작이기는 하나, 그의 노래는 '트로트' 한 장르에만 머물지 않았다.

이난영이 정식으로 데뷔하기 전 일본 오사카 극장에서 불러 갈채를 받았던 곡은 민요 '도라지타령'이었고, 1933년 가을에 발매된 첫 번째 음반에 수록된 '지나간 옛 꿈'은 경쾌한 재즈 느낌의 노래였다. 지금까지 확인된 이난영의 작품은 200곡이 훨씬 넘는데, 그 노래들이 만들어 낸 음악적 스펙트럼의 범위는 일반의 통념을 훨씬 뛰어넘는다.

1934년에 제주 민요를 처음 음반에 녹음한 가수가 이난영이었고, 한국 재즈의 기념비적인 작품 '다방의 푸른 꿈'을 부른 가수도 이난영이었다. 이번 공연에서는 1939년에 발표된 '다방의 푸른 꿈' 오리지널 유성기음반을 현장에서 직접 들어 보는 등, 팔색조 이난영의 면모를 다양한 방식으로 보여 줄 예정이다.

해외 진출과 걸 그룹의 선구

열정의 음악가였던 이난영의 다채로운 활동상은 장르의 폭넓음에 그치지 않았다. 한국 대중음악 역사상 의미 있는 여러 가지 모습들이 또한 이난영의 것이기도 했다.

1936년 동료들과 함께 일본 주요 도시 순회공연을 성공리에 마친 이난영은, 나아가 오카 란코라는 예명으로 일본 대중가요계에 진출하기도 했다. 1936년부터 1938년까지 그가 일본에서 발표한 곡들 중에는 신민요 '아리랑'과 대표작 '목포의 눈물'의 번안곡, 그리고 당대 일본 최고의 작곡가 고가 마사오와 함께 만든 '合歡の木蔭で' 등이 있다.

이난영은 1939년 이후 조선악극단의 프리마돈나로 일본은 물론 중국 각지의 무대까지 누볐고, 1963년에는 미국에서 활약 중이던 딸들과 조카, 즉 김시스터즈와 함께 공연을 하기도 했다. 한국 가수로는 사상 처음으로 일본, 중국, 미국 무대를 모두 밟아 본 이가 바로 이난영이었던 것이다.

지금까지도 전설로 전해 오는 공연단체인 조선악극단에서 이난영의 역할은 독보적 솔로에 그치지 않았다. 1939년에 결성된 최초의 걸그룹 저고리시스터즈를 이끈 리더 또한 이난영이었다. 당시 이난영은 남편과 아이가 있어 이미 '걸'은 아니었으나, 그가 선두에 선 저고리시스터즈의 화려한 퍼포먼스는 동아시아 관객들의 이목을 매혹시키기에 충분했다.

이번 공연에서는 젊은 국악도들로 구성된 합창단 두레소리의 새로운 노래로 그 옛날 저고리시스터즈의 자취를 느껴 볼 수 있다. 일반적으로 잘 알려지지 않았던 오카 란코와 저고리시스터즈의 모습을 확인할 수 있는 희귀 자료들 또한 중요한 감상 포인트이기도 하다.

김시스터즈의 어머니, 김해송의 아내, 그리고 남인수의 연인

이난영은 그 자신만으로도 한국 대중가요 100년 역사에 큰 자취를 남겼지만, 거기에 더해 그의 주변 인물들 또한 면면이 간단치 않다. 앞서 본 김시스터즈는 이난영의 딸들과 조카였고, 김시스터즈의 뒤를 이어 미국에 진출한 김보이즈는 이난영의 아들들이었다.

또 이난영의 남편인 김해송은 다름 아닌 '다방의 푸른 꿈'의 작곡자이며 당대 무대음악의 귀재였다. 김해송 못지 않게 많은 히트곡을 남긴 작곡가 이봉룡은 이난영의 오빠였고, '가요황제' 남인수는 6·25전쟁으로 남편을 잃은 뒤 고적했던 이난영 말년의 연인이었다.

김해송과 이난영의 결혼식 사진, 김시스터즈와 이난영이 함께 노래 부르는 모습을 담은 영상, 절친한 동료이자 오빠였던 고복수의 은퇴를 슬퍼하는 이난영의 육성 등 자료를 통해, 가수로서 또한 한 인간으로서 이난영의 이모저모를 무대에서 선보일 예정이다.

이난영 노래의 집대성, '이난영 전집'

유정천리의 이번 공연은 이난영 100년을 기념하는 동시에 그 노래를 집대성한 '이난영 전집'의 제작을 공개, 자축하는 자리이기도 하다. 작년부터 기획이 본격적으로 진행되어 이번에 완성된 '이난영 전집'에는 현재까지 확보된 이난영의 노래 200여 곡이 CD 열 장에 나뉘어 담겨 있는데, 어디에서도 들을 수 없었던 희귀 곡과 의미 있는 작품들이 상당수 포함되어 있다.

가장 눈길을 끄는 곡은 광복 이후 첫 번째 대중가요 음반이라는 중요한 의미를 담고 있는 1947년 녹음 '봄버들'과 '님 생각'이다. 이 곡들은 조선악극단에 버금가는 전설의 공연단체로 이난영의 남편 김해송이 이끌었던 K.P.K악단의 실체를 보다 구체적으로 확인할 수 있다는 의미 또한 갖고 있기도 하다.

이난영의 첫 번째 녹음인 '지나간 옛 꿈', 오케레코드 데뷔곡인 '향수', 김해송과 함께 부른 번안 재즈 곡 '캐리오카' 등도 전집이 발굴해 낸 소중한 성과들이다. 200여 곡의 가사를 정리한 해설서에는 음원을 미처 확보하지 못한 나머지 모든 작품들의 가사와 서지 정보가 현존 자료로서는 가장 꼼꼼하게 정리되어 있다. 또한 이난영과 이난영이 활동하던 시기 한국 대중음악의 다양한 모습들을 확인할 수 있는 사진 자료도 다량 수록되어 있다.

한국 대중가요의 첫 번째 작품이 발표된 1916년에 태어나 1965년까지 반세기 가까이를 노래와 함께 살았고, 세상을 떠난 뒤에도 여전히 우리 곁에서 노래로 살아온 이난영. 그 100년의 의미를 되새겨 보는 것은 우리가 함께 살아온 100년을 스스로 돌아보는 일이기도 하다. 역사 속에 노래가 있었고 노래 속에 역사가 있었던, 바로 그 100년이다.

덧붙이는 글 공연 및 예약 관련 문의: 한국문화의집(02-3011-1720)

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#이난영 #담담풍류 #한국문화의집 #유정천리

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Partial translations:


She was born on June 6, 1916 (in contrast to the family register, there is also a record of birth on October 22).


Although the tears of Mokpo in 1935, which is regarded as a historical work that established the so-called 'Trot' model, is a representative work of Lee Nan-young, a song which is generally remembered, her singing did not remain only in one genre of 'Trot'.


The song that Lee Nan-young sang at the Osaka Theater in Japan before he debuted was a folk song `Dorajita-Ring'', while the song ``Old Old Dreams'' recorded in the first album released in the fall of 1933 was a light jazz song. There are more than 200 Lee's works identified so far, and the range of musical spectra produced by the songs goes far beyond conventional means.


In 1934, Lee Nan-young was the first singer to record Jeju folk songs on a record, and he was also the singer who sang the monumental work of Korean jazz 'The Blue Dream of Teahouse'. In this 2016 show, you will be able to show the appearance of the eight-colored Lee Nan-young in various ways, including listening to the original 'Dream Blue Dream' original meteor record in 1939.


Lee Nan-young's passionate musicians' activities were not limited to a wide range of genres. Several significant figures in Korean pop music history were also led by Lee Nan-young.


Lee Nan-young, who successfully toured the major cities of Japan with his colleagues in 1936, went on to enter the Japanese pop music scene under the name of Oka Lanko. Among the songs she released in Japan from 1936 to 1938 were his new songs, "Arirang", the masterpiece of "Mokpo's tears", and 合歡 の 木 蔭 で made together with Japan's top composer Masao.


Since 1939, Lee Nan-young has been staged by the Korean troupe's prima donna, and has staged performances in Japan and elsewhere in China. In 1963, she performed with her daughters and nephews, the Kim Sisters. It was Lee Nan-young who first stepped into the Japanese, Chinese, and American stages for the first time as a Korean singer.


Until now, the role of Lee Nan-young in the Chosun Aatrical Troupe, a legendary performing group, was not only solo. The leader of the first girl group, the Jogori Sisters, formed in 1939 was formed by Lee Nan-young. At that time, Lee Nan-young was not just a girl because he had a husband and a child, but the brilliant performances of Zergori Sisters who led him were enough to attract the attention of East Asian audiences.


In this performance, you can feel the traces of the old Jingori Sisters with the new song of the choreography of young choirs. Rare materials that show the appearance of Oka Lanko and Jogori / Chogori Sisters, which are generally unknown, are also important points of view.


Lee herself is a Korean pop singer who has made a big mark in his 100-year history, but in addition, her surrounding figures are not less important. Kim Sisters, consisted of the nephews of her daughters and Lee Nee-young.


In addition, Lee Hae-young's husband, Kim Hae-song, is a composer of the 'Dream's Blue Dream' and was a master of contemporary stage music. The composer Lee Bong-ryong, who left as many hit songs as Kim Hae-song, was Lee Nan-young's brother, and the 'King Emperor' Nam In-soo was a late-year-old lover who died after losing his husband in the Korean War.


Through photographs of Kim Hae-song and Lee Nan-young's wedding, videos of Kim Sisters and Lee Nan-young singing together, and the upbringing of Lee Nan-young who is saddening his retired companion and brother Go Bok-soo, Lee Na-young as a singer and a human being It will be showcased at.


This performance of Yoo Jeong Cheon-ri celebrates 100 years of Lee Nan-young and is also a place to showcase and celebrate the production of 'Lee Nan-young's collection'. The project, which has been in full swing since last year, is completed in this full collection of 200 pieces of Lee's songs, which have been secured so far, on CDs, including rare and meaningful works that could not be heard anywhere.


The most eye-catching songs are the 1947 recordings 'Bombwill' and 'Your Thoughts', which contain the important meaning of the first pop songs and albums after liberation. These songs are also a legendary performance group comparable to the Chosun Orchestra, which also means that the reality of the K.P.K orchestra led by Lee Nan-young's husband, Kim Hae Song can be identified in more detail.


The first recording of Lee Nan-young's' Old Old Dream ',' Oke Record's debut song 'Perfume', and along with Kim Hae-song's song jazz song 'Carioca' are also valuable findings. In the commentary of 200 lyrics, the lyrics and bibliographic information of all the works are not meticulously secured. In addition, there are a lot of photographic materials that can identify various aspects of Korean popular music during the time Lee and Lee were active.


Born in 1916 when the first work of the Korean pop song was released, Lee Nan-young lived with songs for nearly half a century until 1965, and still lived with us after we passed away. To reflect on the meaning of 100 years is to look back at our 100 years together. There is a song in history and a history in song.


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One would expect a serious context and introduction of Lee Nan Young in the biography of Sue Kim (Kim Sisters), when family matters, because also this is part of a personal heritage, but there's nothing of the kind. Much more attention is given to the casino boss husband's character and backgrounds. The book in that way has a narcistisc aspect as well because it only concludes the world seen through the eyes of one witness. From that period on, it still hs amazing stories that give us insight of the youth period of Sue in the midst of the war between North and South Korea. Lee Nan Young took care of a lot of siblings in their house and poor people. The relationship with the husband Kim Have Sung is described as that she loved him, had musical overlapping interests but also that he was a traditional man who felt he had everything to say. He also took a mistress into the house. When the husband was kidnapped by North Koreans because of his anti-communist ideas, her mistress afterwards with help of the army took everything from the house (food, but also the piano) making her forbidden to perform. Still with theatre performances they were able to get food together. When the South Koreans brought the mistress, who had destroyed many people's lives, to trial they let Lee Nan Young decide what to do with her. Her mother accepted her back into her theatre group. At some stage when Lee Nan Young was kidnapped even the North Koreans knew about Lee's faith, musical qualities but also about her mildness to people, her sint-like character including the mistress, one soldier let her escape. The husband had been executed, but she escaped. The book further provide us some detail about money send over to South Korea as soon as the daughters as The Kim Sisters made it big. Money that further was invested into the people who needed it. When the money suddenly stopped it is told (not in the book) Lee Nan Young had killed herself, not being able to provide all the needs to the needed already feeling being left alone by circumstances.

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KOREAN PAGES:

See also

http://m.blog.daum.net/...

http://blog.naver.com/...

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CONCLUSION:

Lee Nan Young is amongst the classic artists to collect from the 30s. In a way even the most Japanese sounding old trot songs are nice to listen to. THere's a beautiful sensitivity and songs to cry to. AS you can see above many performances are essential listens.

#oldtime #30s #40s #Japaneseoccupation #Trot #jazz #L #blues